Красота по-американски: 50 реально крутых произведений и никакого абстракционизма

Рафаэль Пил, который считается первым выдающимся мастером натюрмортов в США, был сыном заметной фигуры в американской живописи. Чарльз Уилсон Пил основал первый в Штатах музей естественной истории, пережил трех своих жен и дал жизнь 16-ти детям, которых называл в честь знаменитых художников и ученых и которых сам учил живописи. С ранней юности, которую он провел в поисках экспонатов для отцовского музея, Рафаэль Пил был страстным путешественником. Однако слабое здоровье, подорванное работой таксидермиста, подагрой и алкоголизмом, лишили его этого удовольствия. А прикончил художника бокал горячего пунша, который он выпил, чтобы успокоить больной желудок. Большинство знаменитых натюрмортов Пила посвящено еде, однако вершиной его творчества считается полотно «Венера, выходящая из моря — Обман» («После ванны»). Художник настолько реалистично изобразил занавеску, скрывающую обнаженное тело женщины, что его жена, впервые увидев картину, попыталась сдернуть с нее ткань.

Лилли Мартин Спенсер сегодня причисляют к иконам феминизма. У нее есть написанная в 1866 году картина, на которой с газетой изображен не отец семейства, а мать! Для самой Лилли такой сюжет отнюдь не был фантазией: она успевала еще и не такое. Родила 13 детей (выжили 7) и полностью обеспечивала семью: муж лишь с разной степенью успеха выступал в качестве ее менеджера да иногда позировал для жанровых сценок. Мужья у нее часто изображены безобидными недотепами, а вот домохозяйки очаровательны, игривы и веселы, они успевают одновременно флиртовать и консервировать фрукты. Едва ли не больше жанровых сцен, художница любила натюрморт: его можно написать, не выходя из собственной гостиной, продемонстрировав на небольшом полотне всю виртуозность — бархатный персик, сочный арбуз, холодный камень… Лилли не упускала случая вписать натюрморт

Натюрморт – живописный жанр, фокусирующийся на изображении предметного мира. Название «натюрморт» происходит от француского nature morte либо же итальянского natura morta, что переводится как «мёртвая природа». На натюрморте изображают неодушевленные предметы, композиционно расположенные в реалистическом пространстве. Читать дальше

и в жанровые сцены: это же отличный способ показать публике, какая классная посуда у нее дома! Жанровые сюжеты художницы отлично продавались в виде гравюр, так что это было все равно, что выложить фото с новым сервизом в Инстаграм. Конечно, ее живопись — еще не реализм. Будь мы по другую сторону океана, назвали бы это словом «бидермейер». Критики справедливо замечают, что у ее героев непропорционально большие головы и не слишком естественные позы, но вот к пупырышкам на огурцах и прожилкам на прозрачных ягодах крыжовника не может быть никаких вопросов.

Главный затворник и отшельник американской живописи Уинслоу Хомер был вынужден почти всю жизнь зарабатывать себе на хлеб работой журнального иллюстратора, да еще и содержать отца, лишившего семью всех сбережений. В остальном же о личной жизни художника можно только строить предположения и догадки: он ревностно охранял свою приватность и предпочитал молчать даже о методах работы. Своему первому биографу он отказался давать какие бы то ни было комментарии. Страсть Хомера к уединению и его любовь к морским пейзажам были настолько сильны, что он какое-то время прожил на маяке в Глостере вместе с семьей смотрителя. Художник не получил профессионального художественного образования и отказывался от преподавания. Но некоторые молодые живописцы сами находили его в поисках вдохновения: к примеру, Ньюэлл Уайет приезжал в Мэн ради встречи с Хомером, и считается, что картины художника-затворника наложили отпечаток

Монотипия относится к группе техник плоской печати. В отличие от других методов эстампа, позволяющих сделать множество оттисков с одной формы, здесь получается лишь одно изображение (отсюда и «моно» – «один» – в названии). Чаще всего монотипию используют иллюстраторы детских книг. Она популярная также у психологов (для выяснения внутреннего состояния человека) и педагогов (для развития воображения у детей). Читать дальше

---

Коллаграфия – относительно новый вид рельефной печати. Она была изобретена в середине XX века и сочетает в себе экологичность, лёгкость исполнения, богатство текстур и пластики, и, кроме того, хорошо совмещается с другими графическими манерами (например, «сухой иглой»). Печатная матрица представляет собой коллаж (отсюда и название, сочетающее слова «коллаж» и «-граф») и создаётся путём наклеивания различных материалов – тканей, пластика, песка, растений и так далее – на деревянную или картонную основу с помощью различных паст. Читать дальше

на творчество не только самого Ньюэлла, но и его сына Эндрю и внука Джейми.

Это сейчас Томас Икинс — один из признанных мэтров американской живописи. А когда-то художника увольняли с преподавательской работы за то, что он осмеливался показывать студентам (а главное — студенткам!) полностью обнаженных натурщиков. И обвиняли в нездоровой тяге к мужскому телу, которое он так любил изображать. Центральными темами в зрелом творчестве Икинса стали спортсмены (опять-таки, по большей части мужчины) и уютные домашние сцены. Однако известность ему принесли пугающе реалистичные картины с изображениями хирургических операций, в свое время шокировавшие консервативную филадельфийскую публику (1, 2). Икинс, делавший ставку на доскональное изучение анатомии человеческого тела, был принципиальным реалистом на протяжении всей своей карьеры, и никакие авангардные течения не смогли изменить его убеждений.

Филадельфия подарила Америке множество талантливых живописцев. И хотя Уильям Харнетт родился в Ирландии, вскоре после его рождения семья будущего художника переехала в США, и именно в Филадельфии он прожил большую часть жизни. Учителем Харнетта был уже знакомый нам Рафаэль Пил, существенно повлиявший на все творчество молодого художника, а именно — на выбор сюжетов. Но если специализацией Пила была еда, то Харнетт свои суперреалистичные натюрморты (их относят к «обманкам», картинам-иллюзиям, для которых есть термин тромплей) посвящал оружию, книгам и музыкальным инструментам. Причем художник отдавал предпочтение подержанным предметам, например, потрепанным книгам на тележке старьевщика. «Новые вещи плохо ложатся на холст», — говорил он. Харнетт прожил всего 44 года и, к сожалению, не дождался прижизненного признания. Его работы оценили по достоинству лишь в середине ХХ века, до этого же критики считали такие сюжеты недостойными места в музеях.

Практически неизвестная у нас Изабель Бишоп была довольно влиятельной фигурой в американской живописи. Дочь писательницы и суфражистки переехала в Нью-Йорк в возрасте 16 лет, чтобы получить профессиональное художественное образование. Считается, что Бишоп внесла свой вклад в развитие феминистского движения в США, поскольку в работе она вдохновлялась именно женскими образами. И если поначалу это были немного размытые одинокие обнаженные фигуры, то в более поздних работах художницы ее героини полны жизни: они энергично шагают по нью-йоркским улицам, разговаривают и смеются, не скрывая эмоций. Изабель не останавливалась на одном стиле и технике, но особого внимания заслуживают ее натюрморты и жанровые сцены, написанные, по словам художницы, под влиянием полотен фламандских мастеров.

Марк Адамс — еще один малоизвестный художник, о котором мы просто обязаны вам рассказать. У себя на родине Адамс прославился благодаря своим великолепным витражам и гобеленам. В Сан-Франциско, где художник прожил большую часть жизни, можно увидеть его работы, украшающие, к примеру, главную городскую синагогу и здание аэропорта. Но в какой-то момент Адамс решил посвятить себя акварелям, в которых с помощью обыденных вещей виртуозно передавал игру света. Особенно завораживают работы художника со стеклянными предметами (сказывалось «витражное» прошлое). Кажущаяся простота акварелей Адамса пришлась по душе публике. Арт-дилер Джон Берггрюэн, продававший работы Адамса на протяжении 25 лет, говорил, что каждый раз, когда акварели художника выставлялись в галерее, потенциальные покупатели выстраивались в очередь задолго до ее открытия (ладно, мы знаем, что 5 акварелей Адамса — слишком мала: держите еще 4 десятка).

Существует мнение, согласно которому гиперреалистичные скульптуры создаются с одной-единственной целью: заставить зрителя почувствовать себя неловко. Работы американского скульптора Дуэйна Хансона справляются с этой задачей на все сто. В 60-х он начал создавать свои первые скульптуры из стеклопластика и винила, собирая из них жутковатые сцены с автокатастрофами, абортами и драками чернокожих мужчин с полицией. Из этих ранних работ сохранились очень немногие, поскольку большинство Хансон уничтожил. В 70-х его скульптуры перестали быть такими тошнотворными, но при этом по-прежнему вызывали смущение. «Простые американцы из рабочего класса» в работах Хансона представали ни капли не приукрашенными, с лишним весом, морщинами и мешками под глазами. В лучших традициях поп-арта скульптор отражал окружающую действительность во всей ее неприглядности.

Многие талантливые дети знаменитых родителей вынуждены всю жизнь оставаться в их тени и постоянно доказывать, что и сами достойны внимания. Джейми Уайета эта участь обошла стороной. Конечно, его неоднократно сравнивали с отцом Эндрю, но художника, похоже, это мало заботит. Первые уроки живописи Джейми получил от своей тети Кэролин, которая привила ему любовь к масляной живописи. Художник признавался, что ему настолько нравится нюхать и щупать масляные краски, что он даже не раз хотел попробовать их на вкус. Что же касается отношений с отцом, вдохновившим Джейми на эксперименты акварелью и темперой, то здесь, по словам художника «все просто: Эндрю Уайет — мой самый близкий друг и художник, работами которого я восхищаюсь больше всего». (А Эндрю Уайета в этой подборке нет только потому, что вы и так отлично его знаете — биография и более 200 его работ ждут вас здесь).

Наш современник Рэн Ортнер (вы всегда можете заглянуть на его сайт или подписаться на него в Фейсбуке) родился в Сан-Франциско, вырос в сельской местности Аляски, много лет прожил в Нью-Йорке, но при любом удобном случае сбегает к морю. Художник называет себя «отравленным океаном». В прошлом профессиональный мотоциклист и по-прежнему заядлый серфер, все свои громадные гиперреалистичные полотна Ортнер посвящает тому, что любит больше всего. Ранние работы художника были минималистичными и, по его словам, лишь передавали ощущение океана, но начиная с 2005 года он стал писать свои фотографически точные картины (холст, масло — все, как у Айвазвоского) с почти живыми морскими волнами. «В море, — говорит художник, — я залечиваю все свои раны, я просто теряюсь во всей этой роскошной бесконечности. Не существует ничего более симфоничного, более блистательного и полноценного, чем бескрайнее море».