Коллекционер Юрий Носов рассказывает о своем собрании работ мастеров Серебряного века

В музее-заповеднике «Царицыно» проходит выставка «Русское изобразительное искусство Серебряного века», составленная из более ста работ коллекции Юрия Михайловича Носова. Коровин, Серебрякова, Билибин… Наряду с работами культовых мастеров — отличные работы менее известных авторов. Чем они примечательны? Собиратель — военный переводчик, с юности интересовавшийся искусством, — рассказал нам любопытные истории…

В 2001 году в ГМИИ им. Пушкина прошла выставка «На берегах Невы», посвящённая объединениям ленинградских художников 1920—1930-х годов. А в прошлом году вышел полный каталог собрания Юрия Носова и прошла первая из двух больших выставок, приуроченная к 70-летию со дня рождения самого коллекционера. Экспозиция «Русский авангард: от рассвета до заката» — с большим успехом экспонировалась в музейно-выставочном центре «Рабочий и колхозница» в июне-сентябре 2015 года. И вот — новая встреча с шедеврами частной коллекции.

Василий Переплетчиков «Осень». 1912.

Как мы уже писали в анонсе события, выставка «Русское изобразительное искусство Серебряного века» — вторая часть большого проекта, цель которого — познакомить как можно большее количество зрителей с богатой коллекцией Юрия Носова. Сейчас Юрий Михайлович показывает своё собрание с более лиричной, но не менее знаковой для отечественного искусства стороны.

Василий Масютин, «В студии». 1910-е, холст, масло.

Как и на первой выставке проекта, Носов проводит авторские экскурсии и охотно рассказывает о каждом экспонате. «Артхив» любезно пригласили присоединиться к одной из таких увлекательных прогулок по Хлебному дому, где развернулась выставка.

Одна из сквозных тем нашей беседы с собирателем — то, что организаторы выставки предлагают самую широкую трактовку понятия «Серебряный век русской живописи»: с конца 1890-х, когда зародилось художественное объединение «Мир искусства», и до его отголосков в 1940-е гг. — как в России, так и в эмиграции.

Максимилиан Волошин

Григорий Бобровский «Летний пейзаж с облаком». Конец 1910-х.

— Юрий Михайлович, почему вас заинтересовали художники Серебряного века, работы которых составляют значительную часть вашей коллекции?

— Видите ли, манера художников из художественных объединений начала XX века не особо изменилась после Революции: они могли более или менее успешно вписывать в любимые пейзажи Ленина или колхозников с молотилками, но пейзаж и крестьяне — всё те же, что и раньше, их не обязательно связывать с политикой. Когда я начинал собирать работы в конце 60-х гг., такого понятия «Серебряный век» ещё не существовало, а таких поэтов как Ахматова, Мандельштам — не издавали. Впрочем, и Хлебникова тоже… Маяковский издавался очень усечённо, не публиковались его ранние работы… Поэтому я просто собирал, помимо художников «Бубнового валета» — Кончаловского, Фалька, Шевченко и др., — также и работы мастеров Союза русских художников, «Мира искусства», которых постепенно набралось на целую выставку.

Николай Крымов «Дворик (Солнечный день)». 1910.

— И все же, «Серебряный век» — уже довольно давно вполне сформировавшееся понятие, вы не находите?

— Современные искусствоведы включают в рамки понятия «Серебряный век» целую палитру великолепных поэтов и художников начала XX века. Дело в том, что в конце XIX века появился запрос на некую мечту, метафизику, поскольку публика устала от назидательности передвижников. Стали очень популярны драмы Ибсена, философия Ницше, и часть творческой интеллигенции стала отходить от принципов передвижников, от академизма, от «литературщины» в творчестве.

— Тем не менее, во всех этих процессах выделялись очень яркие личности, которые составили славу нашего искусства как в поэзии, так и в изобразительном искусстве, — продолжает свой рассказ Юрий Носов. — Конечно, все эти процессы были очень противоречивы. Кризис и конфликт назревал в среде этих великолепных художников и поэтов, они боролись друг с другом, и, особенно после революции 1905 года, многие утратили веру в свои идеалы, разочаровались.

- Одни стали искать выход в религии, в частности Гиппиус, Мережковский, а некоторые последовали за радикальными марксистами — это, например, Максим Горький, который, — помните, как нас учили в школе? — вещал: «Пусть сильнее грянет буря!» Последовал раскол, и после революции многие деятелей Серебряного века уехали за рубеж.

Антонина Софронова, «Портрет дамы с лисой на плечах». 1913−1917

— Однако и в эмиграции мастера Серебряного века продолжали развиваться и внесли весомый вклад в мировую культуру…

— Безусловно! Серебряный век затем отчасти продолжался в Париже, в Нью-Йорке, в Харбине, в Белграде и т. д. Судейкин, Сорин, Конёнков творили в Америке, скульптор Эрзя — в Аргентине. В Париже вокруг Сергея Дягилева, который уехал раньше, сформировалась целая плеяда блестящих творцов: и художников, и композиторов, — таких как Стравинский, — и танцовщиков, — таких, как Нижинский, Фокин, Лифарь, Мясин, которые затем стали сами ставить балеты, стали режиссёрами. Вспомним, что Баланчин был танцовщиком, потом тоже ставил балеты, затем переехал в Америку, где стал родоначальником американского балета. Дягилев и его «Сезоны» создали моду на всё русское, и в балете мы стали лидерами на многие-многие десятилетия вперёд.

Алексей Степанов «Охота на волка». 1890-е. Холст, масло

Николай Андреев «Мальчик, прячущий за спиной камень». Ок. 1899. Керамика

— Влияние зарубежных корифеев также очевидно: так, глядя на «Мальчика» Андреева, вспоминаются скульптурные работы Эдгара Дега…

— Да, совершенно согласен. Конечно, идеи проникали двусторонне — даже в советское время был взаимообмен! Андреев тогда был ещё молодым скульптором, и, конечно, воспринимал влияния импрессионистов. Но потом, как мы знаем, он сделал много портретов Владимира Ильича Ленина.

Экспозиция построена хронологически: залы слева от входа демонстрируют работы 1900−1920-х гг., постепенно вводя посетителя в «Серебряный век» через работы в стиле импрессионизма, модерна, символизма, книжные иллюстрации, эскизы для театральных постановок. Тут немало известных имён: Константин Коровин, Зинаида Серебрякова, Максимилиан Волошин, Иван Билибин. А залы справа от входа демонстрируют уже импрессионистов «на излёте», веяния авангарда, постепенное наступление реализма.

— Видим классическую работу Серебряковой из крестьянского цикла, созданная еще в России, когда она жила в своём поместье и творила. Был еще жив её муж… Потом художница уехала в вынужденную эмиграцию в Париж. Надо сказать, художники «Мира искусства» — Серебрякова, Бенуа, Сомов, — очень высоко ценились в России, но, переехав в Европу, не стали там лидерами каких-либо направлений. На европейском фоне они немного «сникли»: неоакадемизм не приветствовался в то время, в моде уже был авангард, так что именно наши художники-авангардисты, которые переехали, там не потерялись. Некоторые даже встали во главе авангардистских направлений - и Шагал, и скульптор Архипенко, Цаткин… Отдельную историю можно рассказать, впрочем, о Кандинском, который сначала преподавал в Баухаусе, а потом переехал во Францию, где тоже пришёлся немного «не ко двору». Тем не менее, авангардисты влились в число лидеров авангардных движений. А вот «мирискуссники» на европейском фоне немного растерялись. Да, и Бакст был в моде, но в основном за счёт известности дягилевских «Русских сезонов». Недавно, вы знаете, проходила масштабная выставка работ Льва Бакста — там была подана и мода, и театр, история успеха и признания… Но всё-таки это не та слава, о которой, может быть, мечтали все эти художники.

Зинаида Серебрякова «За вязаньем (Молодая крестьянка)». 1907. Бумага, карандаш, гуашь

Осип Браз «Голова мальчика». 1910-е.

Константин Коровин, «Охотино. Лунная ночь». 1918.

— Сергей Маковский — как редактор журнала «Мир искусства» и других журналов, и поэт, — считает, что Серебряный век начался в России в 1898 году с изданием первого номера «Мира искусства». Конечно, журнал «Мир искусства» и объединение «Мир искусства» положили начало процессам отхода от академизма передвижников, от их назидательности в картинах. Они считали, что это мешает художнику раскрыть свои творческие способности, мешает художественным достоинствам картины.

— Но затем процессы стали развиваться слишком бурно, началась Японская война, затем революция 1905 года, а уж потом, в 1914 году, Первая мировая война, потом буржуазная Февральская революция, затем большевистская 1917 года, затем Гражданская война… Все процессы стали настолько бурно развиваться — и творческие в том числе, — что «мирискусники» породили своих отрицателей и критиков, и идеологических врагов в лице футуристов, эгофутуристов, а в живописи — абстракционистов, супрематистов, лучистов и т. д.

…Лермонтова тоже считается представителем символизма. Когда в Русском музее лет 10 назад проходила выставка символизма, там было несколько её работ. В ее «Обнаженной» уже можно увидеть и элементы авангарда.

Надежда Лермонтова «Обнаженная на фоне красной драпировки». 1915.

— Вы не хотите рассматривать Серебряный век в более широком контексте как «модерн», русский модерн ?

— Серебряный век — это как раз шире, чем только модерн , символизм , ар-нуво и т. д. Современные искусствоведы включают сюда и авангардистов, лучистов, супрематистов — всё, что угодно. Я — скромный коллекционер и следую научным установкам докторов, искусствоведов, кандидатов, академиков. Как я уже говорил, я просто собирал искусство, которое потом назвали Серебряным веком. Только я думаю, что Серебряный век не закончился со смертью Маяковского в 1930 году. Он продолжался: сейчас мы это увидим. Мы пытались концептуально построить экспозицию — в залах слева — «начало», 1900-е, 1910-е гг., правее 1910−1920-е гг., постепенно переходят в 1930-е гг., и последняя картина, завершающая экспозицию крайнего правого от входа зала… Я её приобрёл буквально пару месяцев тому назад, чтобы поставить хронологическую точку. Это работа Конашевича, младшего коллеги «мирискусников», всем известного иллюстратора Маршака. Здесь же представлена его замечательная акварель в «мирискуснической» традиции.

Николай Тархов, «Мадам Тархова в красном платье с сыном на коленях и с котом». 1906−1907.

— Художник Николай Тархов уехал в Европу ещё в конце XIX века, и там успешно начал свою творческую деятельность, даже стал контактировать с известным маршаном (торговцем произведениями искусства — прим.ред.) Амбруазом Волларом, который сделал известными многих художников, в том числе Сезанна. У Тархова все стало получаться очень здорово. Сергей Маковский в журнале «Аполлон» писал о нём как об «очень многообещающем, выдающемся русском художнике, который живёт на Западе». Тархов активно принимал участие и в российских выставках, присылал свои работы на выставки Союза русских художников.

— Тархов вполне справедливо считается импрессионистом. Я считаю, Коровин и Тархов делят первое-второе места, когда мы говорим о русском импрессионизме…

— …Художник умер в 1930 году. В конце 1910-х гг. он переехал в маленький городок под Парижем, связи с галеристами у него практически прекратились. Он жил там с женой-француженкой, с детьми, курами, кошками, и всё время их изображал: петухов, кошек, свою жену. Я считаю, что он как никто раскрыл тему материнства.

Николай Тархов. «Курица с цыплятами». 1910-е

Николай Тархов. «Петух». До 1910 г

На выставке присутствуют не только классические вещи Серебряного века, но и менее «громкие» произведения этого времени. Работы мастеров, возможно, не столь известных, но иногда именно «небольшой» художник очень концентрировано выражает некую тенденцию.

— Эту картину написал художник Зарубин, «куинжист». Много жил в Британии, писал массу картин на тему Украины. Его работы о Британии очень мрачные, украинские домики — очень уж национальные… Я долго искал, и вот нашёл такую замечательную нежную импрессионистскую вещь.

Виктор Зарубин. «Летнее утро». 1910-е

Малоизвестный художник Жабá имеет русские корни, хотя его фамилия не очень благозвучна на русском языке. Опять сельская тема: крестьянка тащит на базар курицу и поросёнка, но, как видите, это уже не передвижническая стилистика.

Альфонс Жаба. «На базар». 1913

— Художница Вера Глинка была не особенно известной. Однако она создала изумительные иллюстрации для «звёзды» поэтического Серебряного века — Бальмонта. Я считаю её своим открытием

Вера Глинка. «Поток и Марья Белая Лебедь». 1910-е

— Бальмонт переводил старинные былины в стихотворную форму, его за это критиковали. Были былины, посвящённые такому герою - Потоку, и Марье-Белой-Лебеди. Он убивает змея, немного напоминая Георгия. Когда я говорил, что некоторые «небольшие» художники в более концентрированной форме выражают тенденции… Работы Веры Глинки — как раз «неорусский стиль», «билибинский». Мы его чувствуем здесь, может быть, даже острее, чем у самого Билибина. У меня есть ещё несколько графических работ к другой вещи Бальмонта — сказке о двенадцати месяцах.

Вера Глинка. "Марья Белая Лебедь". 1910е
Вера Глинка. "Поток убивает змия". 1910е

— В этом и есть, я считаю, общественная миссия коллекционера — не просто тряхнуть мошной где-нибудь на «Сотби», а открыть новые имена.

Леонард Туржанский «Солнечный день». 1910-е. Картон, масло

Илья Гинзбург «Л.Н. Толстой с книгой». 1908. Бронза

Александр Моравов. Портрет Льва Толстого. 1909

— Это, возможно, один из последних прижизненных портретов Льва Николаевича Толстого, созданный в 1909 году — буквально за несколько месяцев до своей кончины, он разрешил Моравову приехать в Ясную поляну. Тот собирался писать картину, но, по-моему, так и не написал. Портрет выполнен в таком, я бы сказал, «пастернаковском», стиле. Леонид Пастернак был другом Толстого, сделал великолепные иллюстрации к «Воскресению», которые очень нравились писателю.

— В Русском музее сейчас проходит выставка «Квартира № 5». В довоенном Петербурге было такая компания художников, которая позже стала творческим объединением. Это Бруни, Тырса, Пётр Львов, Альтман… Пунин стал теоретиком этого направления.

Пётр Львов. «Поляна в лесу» 1910-е гг.

Василий Поленов. «Крепостные стены».

А как же обещанные истории, связанные с обретением работ? Вот что рассказывает Юрий Михайлович о картине Василия Поленова «Крепостные стены»:

— Поленов попал ко мне в плохом состоянии: работа не закончена, подписи нет, сделана на деформированном картоне… Это его так называемая «палестинская серия», он ездил туда несколько раз. Но я знал, что картина происходит из семьи, близкой к Поленову, и две экспертизы до и после реставрации подтвердили авторство художника. Вскоре я задумал купить квартиру в Сокольниках и продать для этого какую-то дорогостоящую работу. Покупатели потребовали ещё одну экспертизу, и третий эксперт сказал, что это не Поленов. Я очень ему благодарен — он спас эту работу для моего собрания! А я потом нашёл в одной галерее два небольших эскиза к этой вещи авторства, несомненно, Поленова.

- Коллекционер должен быть знающим человеком и порой полагаться только на себя

Иван Куликов. «Итальянки»

— Это работа ученика Репина, Ивана Куликова, — рассказывает Носов. — В 1903 году он закончил академию, и его послали в Италию, где Куликов писал итальянок. В Муроме, в музее его имени, есть аналогичная работа, где они немного иначе сидят.

…Знаете огромную работу Репина «Заседание Государственного совета…»? Там 80−100 физиономий, 25 из них написал Кустодиев, и где-то 25 Куликов — так их ценил Репин!

— Вот, кстати, небольшая работка Кустодиева, очень милая. Это, видимо, эскиз фрески для кабаре, может, для ресторана. Двусторонняя работа — с другой стороны такая характерная дама кустодиевская, килограмм на 85.

Борис Кустодиев «Эскиз фрески для ресторана». 1922. Бумага, акварель

— Для Крымова характерны «его» эффекты освещения, когда не знаешь, что светлее — чёрная крыша, освещённая солнцем, или белая стена в тени. Все вот эти «фокусы» — здесь!

Николай Крымов, «Поздний вечер». 1929, холст, масло.

Василий Берингер. «Сфинкс»

— После 1905 года, когда разрешили сатирические журналы, многие художник — и Добужинский из «Мира искусства», и Лансере, — стали рисовать карикатуры на царя и т. п. В частности, в то время начинал карьеру известный карикатурист Орлов, известный под псевдонимом Моор. У меня есть в коллекции работа Моора — это казак, изображённый в сатирической форме, хотя это работа 1915 года. Самодур с нагайкой, который угнетает жену, ребёнка… Они боятся, прячутся от него.

Дмитрий Моор (Орлов). «Казак с нагайкой». 1915

— Вот замечательная работа Петра Петровичева — «Вид Храм Христа Спасителя из Нескучного сада» (1922). Храм еще не разрушен, вид на старый Каменный мост, на Кремль… Замечательная вещь! Могу рассказать вам и случай, показывающий взаимоотношения с наследниками мастера. В 90-е гг. на аукционе на Крымском валу в Доме художников один мой приятель работал «на приёмке». Я прихожу — ему только принесли эту картину. Какой-то отвратительный подрамник из заборных штакетин, дыра на работе, плохая натяжка… Я выкупил, отреставрировал картину. Тогда ещё были живы обе дочки Петровичева. И я несу им эту работу, чтобы познакомиться, показать, может, ещё что-то приобрести. Они сказали: «А это не наш папа!». Я говорю, как же, смотрите, вот его подпись!.. «Подпись — его». Ну посмотрите, как дерево нарисовано! «Вот это дерево его. А это — не его». Сейчас я уже легче отношусь к таким вещам.

Петр Петровичев «Букет». 1920. Картон, масло

Сергей Малютин. «Тридцать три богатыря». Театральный эскиз. Конец 1890 — начало 1900 гг.

— Замечательная работа Анны Остроумовой-Лебедевой написана в 1918 году. Гражданская война, памятник Крузенштерну, шикарная набережная, вся заваленная какими-то дровами… Это как раз самое страшное время после революции: голодный Петербург, ушёл весь имперский блеск, потускнел… Тем не менее, работа очень хорошая, она попала ко мне от ленинградского коллекционера Ратнера.

К слову, работами Анны Остроумовой-Лебедевой восхищался Александр Бенуа, она училась в мастерской Ильи Репина, в Париже ее наставником был Джеймс Уистлер, а Константин Сомов написал ее портрет.

— Характерная работа Бориса Григорьева «Спящая и карты» 1920 г., написанная уже в эмиграции в Париже. Когда я отдал эту вещь в реставрацию, знак пик посередине был заклеен — видимо, художник счёл, что это чёрное пятно нарушает композицию. Я решил всё же его оставить, хотя, возможно, пошёл против воли художника.

— Михаил Соколов продолжал романтическую тему Серебряного века и не был никак ангажирован. Он писал всадников и романтических дам вплоть до… 1938 года. Ему дали мастерскую, но только он стал туда переезжать, как на него был написан донос, и не кем-нибудь, а известным плакатистом Леоном Леткаром! Соколов был совсем «неудобным» для того времени: одевался экстравагантно, разгуливал по Гоголевскому бульвару с необычной причёской — и это во время полного конформизма во всём… И тема этой картины явно не соответствует оптимистическому искусству того времени — фазан, бокал… Такой немного декадентский посыл.

Михаил Соколов. Натюрморт с бокалом и птицей. 1931

— Еще одна работа Соколова, «На бульваре». 1930-е годы. Он, наверное, мечтал не о Гоголевском бульваре, а об импрессионизме, о Писсарро, о Сислее…

Михаил Соколов «Дама в шляпе». 1930-е

— На выставке представлено несколько работ Сергея Малютина, который развивал тему модерна в форме русского национального искусства. Неорусский стиль — это тоже значительная часть модерна и в архитектуре, и в изобразительном искусстве. Это наш ответ международному модерну. Например, дома Шехтеля — это модерн по-европейски, а дом в Талашкино и дом Перцовой напротив храма Христа Спасителя — это русский модерн . Как говорил Горький про особняк Рябушинского: «Дом нелепый, но работать можно».

Сергей Малютин «Спящая девочка». 1890-е. Бумага, карандаш, гуашь

Федот Сычков «Деревенские дети у забора». 1934. Фанера, масло.

— И все-таки Серебряный век длится даже не до 1941 года, а его отголоски будут и в 60-х…

— Совершенно верно. Я пишу об этом в своём каталоге. Например, творчество Окуджавы… К Глазунову я не знаю, как относиться. Анна Ахматова была ещё жива, но её творчество сильно изменилось. Это вопрос дискуссионный, даже в изобразительном искусстве — например, иллюстрации к «Неточке Незвановой» Достоевского Ильи Глазунова… Как бы к нему ни относились, но это тоже продолжение тех самых традиций. Приходит на ум и Владимир Лебедев, хотя там уже много авангарда… Сейчас это рассматривается очень широко. Даже мелкая пластика Шемякина — тоже Серебряный век.

— Логическое завершение экспозиции — карикатура Владимира Милашевского 1941 года. Здесь проявляются те внутренние противоречия, о которых я говорил: изображён Северянин, ананасы в шампанском, известные работы Сомова, его фарфоровая группа «Любовники», какая-то типичная дамочка XVIII века заснула на картине… И я долго не понимал, что это за кулак, пока не перечёл исследования Янгфельдта про Маяковского. Тут же всё сложилось: это же Маяковский! Это его оранжевая с чёрными полосами кофта и «Долой ваше искусство!» — глава из «Облака в штанах». И вот она, последняя точка: суровая оценка деятеля Серебряного века — Серебряному веку.