Почему мы с лету не можем назвать фамилии отечественных художниц, в отличие от художников-мужчин? А ведь у каждой — не только список картин, но и список заслуг, еще и яркие судьбы. Башкирцева, Серебрякова, Гончарова, Попова, Поленова, де Лемпицка, Терк-Делоне… Есть что запомнить, господа и дамы! Во всяком случае, мы обращаем ваше внимание на самые заметные моменты жизни и творчества дам, и конечно, на их картины, которые уверенно растут в цене и ставят отнюдь «неженские» рекорды на аукционах.
Почти все арт-дивы, родившиеся на просторах Русской империи в прошлом веке, выбирали своим пристанищем Париж. Кто-то из них писал, чтобы заработать на пропитание, кто-то — чтобы не сойти с ума от тяжелой болезни, кто-то — от избытка творческой энергии. Так или иначе, они оставили отпечаток
в истории не только своим художественным наследием, но и перипетиями судеб.
Мария Башкирцева «Дождевой зонтик» (1883)
Мария Башкирцева (1858 — 1884) — первая художница из наших краев (родилась в Полтавской губернии, тогда — Российская империя, теперь — Украина), чьи картины, «Жан и Жак» и «Митинг», украсили стены Лувра. Однако большинство её работ не пережили Первой мировой войны. Помимо 150 картин, 200 рисунков и многочисленных акварелей, она оставила после себя и литературное наследие — «Дневник», который вела с 15 лет на французском. После смерти автора его перевели на все европейские языки, а вскоре издали в Америке. Примечательно, что мать вырвала из дневника все страницы, на которых упоминались феминистические воззрения дочери. Известно, что Мария Башкирцева активно выступала за права женщин. Её «плечистой» натуре казались тесными не только общественные устои того времени, но и академические каноны живописи. Она отдавала предпочтение работе на пленерах, писала выхваченные из повседневных уличных пейзажей лица парижанок.
Век художницы, к несчастью, оказался не долгим: она умерла от туберкулеза в 25лет. В последние годы жизни художница вела переписку с Ги де Мопассаном, который произнес на её могиле «Это была единственная Роза в моей жизни, чей путь я усыпал бы розами, зная, что он будет так ярок и так короток!» Марина Цветаева посвятила Башкирцевой сборник ранней лирики «Вечерний альбом».
Век художницы, к несчастью, оказался не долгим: она умерла от туберкулеза в 25лет. В последние годы жизни художница вела переписку с Ги де Мопассаном, который произнес на её могиле «Это была единственная Роза в моей жизни, чей путь я усыпал бы розами, зная, что он будет так ярок и так короток!» Марина Цветаева посвятила Башкирцевой сборник ранней лирики «Вечерний альбом».
Мария Башкирцева
Осень
1884, 117×97 см
Зинаида Серебрякова (1884−1967) — русская художница-реалист и деятель искусства в третьем поколении: её дед и прадед посвятили себя архитектуре, отец занимался скульптурой и живописью, а в дядях числился известный художник и критик Александр Бенуа. С кистью и холстом Зинаида подружилась с детства. Чтобы писать крестьянские будни, с рассветом приходила в поле. Брак с двоюродным братом родня не одобрила, поэтому художнице с супругом пришлось эмигрировать, оставив детей в России. Увидеть сына Зинаиде Серебряковой посчастливилось только спустя 36 лет.
Это сегодня полотно художницы продаются за баснословные деньги. А при жизни в Париже она пыталась заработать на жизнь написанием портретов, но очень часто просто дарила их заказчикам. Из-за бедности Серебрякова даже была вынуждена самостоятельно изготавливать краски. Вернуться в Россию она так и не смогла: Вторая мировая война отрезала её от Родины.
Пожалуй, самая знаменитая картина Зинаиды Серебряковой, подарившая ей известность, автопортрет
художницы «За туалетом» (1909). Впервые общественность заговорила о таланте автора после презентации работы на VII выставке «Союза русских художников» (1910). Сегодня автопортрет
25-летней художницы хранится в Третьяковской галерее. А картину «За завтраком» (1914), героями которой стали дети Серебряковой, называют одним из лучших детских портретов.
Зинаида Серебрякова «Автопортрет в шарфе» (1911)
Зинаида Серебрякова «За туалетом»
Наталия Гончарова (1881−1962) — амазонка авангардизма и правнучатая племянницы той самой Натальи Николаевны Гончаровой, супруги великого русского поэта. Премудрости живописи постигала под руководством выдающегося художника и педагога Константина Коровина, вместе с мужем — М.Ф. Ларионовым, одним из основателем русского авангарда, — организовала объединение «Ослиный хвост». А в 1915 году получила приглашение Сергея Дягилева для работы над Русскими сезонами — гастролями артистов оперы и балета, в Париже. Кстати, к слову о Пушкине: в свое время художница оформила и «Сказки о царе Салтане»!
Сегодняшней стоимостью своих полотен Наталья Гончарова перещеголяла всех художниц мира. В 2008-ом ценовой рекорд в «женском зачете» побила картина «Цветы», проданная на аукционе Christie’s более чем за $10 млн. Работа является одним из ключевых произведений русского авангарда, так как объединяет в себе элементы европейского импрессионизма и абсолютно новаторского направления, созданного Гончаровой и ее мужем — т.н. «лучизма». Мол, все предметы, которые мы видим — сумма лучей, преломленных от этих самых предметов. Экспериментировала художница и с примитивизмом, используя иконопись
.
В 2010-ом на лондонских торгах картина «Испанка» установила очередной ценовой рекорд — её счастливый обладатель расстался с $ 1, 216 млн. Сегодня большинство работ Натальи Гончаровой находятся в Третьяковской галерее.
Наталья Гончарова «Автопортрет»
Наталья Гончарова «Испанка»
Соня Терк-Делоне (1885 — 1979) — живописец и дизайнер одежды, представительница Парижской школы и яркая фигура европейского авангарда, больше известная во Франции, нежели в России. Детство будущая знаменитость провела в Петербурге у дяди, который часто брал ее с собой в Европу, где Соня и пожелала получить образование. Толчком к творчеству стал брак девушки с известнейшим французским художником Робером Делоне, который стал ее вторым мужем. Результатом творческого тандема стал изобретенный парой вид кубизма — «орфизм», а также «симультанизм» — способ создания изображения круговыми цветными формами. Любовь к яркому цвету, согласно воспоминаниям Сони — память о родине, ведь она появилась на свет в тогдашней Полтавской губернии. Художница успела оставить след и в мире моды, создавая эти изменчивые произведения искусства. В 1964 году в Лувре открывают первую в истории музея персональную выставку женщины-художника, организованную при жизни автора! На стенах — ретроспектива работ мадам Делоне.
Цены на ранние абстрактные работы Делоне и полотна из серии «Цветовые ритмы» доходят до нескольких сотен тысяч долларов. Самая дорогая картина художницы — «Рынок в Миньо» (1915), написанная в испанский период. В 2002 г. она ушла на парижских торгах Calmels Cohen Paris за 4,59 млн евро.
Портрет Сони Терк-Делоне
Соня Терк-Делоне «Рынок в Миньо» (1915)
Тамара де Лемпицка (1898 — 1980) — одна из известнейших фигур направления ар-деко ХХ века. Художница с польскими корнями некоторое время жила в Санкт-Петербурге. Спасая мужа от тюрьмы, куда он угодил с началом революции, Тамара де Лемпицка бежит в Париж, где встречает своего учителя, Андре Лота (André Lhote). Стоит отметить: за мольберт художница встала не от хорошей жизни. Парижские будни отягощались безденежьем. Когда все фамильные драгоценности были проданы, а дочь снова нечем было кормить, и «не царица» Тамара вспомнила о своих способностях к рисованию. Андре Лот разработал и передал ей знания о синтетическом кубизме, объеденяющем академическую живопись и новые приемы Пикассо (Picasso) и Брака (Braque). С помощью такого упрощенного варианта кубизма Тамара де Лемпицка и смогла создавать «модне» полотна с намеком на классику — элегантные женские портреты и ню, которые охотно покупали парижские буржуа. Эта ниша позволила художницы вести весьма богемный образ жизни. Перед началом войны де Лемпицка переехала со вторым мужем, бароном, в США, где интерес к ее творчеству постепенно угас. В 60-х ар-деко
вновь оказался на гребне волны, но уже как символ прошлой эпохи. Впрочем, довольно выросший в цене.
В 2011 г. на торгах Sotheby’s её картину «Сон (Рафаэла на зеленом фоне)» (1927) приобрели за $8, 48 млн, таким образом работа завоевала золото среди самых дорогих картин автора. Ранее в этом списке лидировали полотна «Портрет
Марджори Ферри» ($4,9 млн) и «Портрет мадам М.» ($6,1 млн).
После этого рекорд успел обновиться уже несколько раз, что свидетельствует о спросе на старинный «гламур от де Лемпицки».
Тамара де Лемпицка «Автопортрет в зеленом бугатти»
Тамара де Лемпицка «Сон (Рафаэла на зеленом фоне)» (1927)
Елена Поленова (1850 — 1898) — художница, создававшая на полотнах сказочный мир, сестра известного русского живописца Василия Поленова. Родилась в Санкт-Петербурге, в семье ученого-историка. Интерес к мифическим сюжетам — родом из детства: маленькой Лиле, как называли её домашние, всегда читали русские народные сказки. Рисованию вместе с братом она обучалась у знаменитого художника и педагога, автора метода «широкого взгляда», Павла Чистякова. Так как женщинам в ту пору в Академию художеств путь был заказан, девушка обучалась у Ивана Крамского в Петербургской школе Общества поощрения художеств.
Елена Поленова отличалась специфической внешностью. Даже возлюбленный в переписке позволял себе в шутку за глаза назвать её «милым уродом». Личная жизнь так и не сложилась. В отличие от жизни творческой: несколько работ приобрел для коллекции сам Третьяков. Холсты со сказочными сюжетами, которые приходили во сне, создавались ею в имении мецената Мамонтова, Абрамцево. Здесь родился «Зверь» — чудище, похищающее душу из царства светлых грез.
Имя Елены Поленовой редко упоминаются в энциклопедиях по живописи, и её вклад в развитие русской графики и декоративного искусства остается недооцененным.
Елена Поленова
Елена Поленова «Зверь»
Любовь Попова (1889 — 1924) — русский авангардист, живописец и график, профессор ВХУТЕМАСа, которой посчастливилось работать плечом к плечу с отцами отечественного авангарда — Весниным, Татлиным и Малевичем. Сжившись с их опытом, пройдя от супрематизма к конструктивизму и промышленной живописи, художница создала свой неповторимый стиль, отличающийся от «мужского» авангарда большей декоративностью. Искусству Любовь Попова успела обучиться не только в Москве, но и в Италии и Франции. Что интересно, истинная дама в каждой своей ранней картине она проявляла «мужские интересы» к техническому прогрессу, делая акцент на устройстве предметов, будь-то часы или жестяная посуда. Насквозь пропитанная романтическими революционными идеями создания городов будущего с домами-коммунами, она с усердием взялась за плакатную живопись и текстильный дизайн. Не чуждым художнице был и театр: она стала автором декораций для спектаклей Мейерхольда.
Жизнь художницы на пике творчества внезапно оборвала скарлатина. Незадолго до этого она похоронила мужа и сына. Самым дорогим полотном авангардистки является «Натюрморт
с подносом», проданный в 2007 г. на Sotheby`s за $ 2 844 270. Работа долгое время находилась в частной коллекции и была известна лишь по черно-белой репродукции.
Любовь Попова
Любовь Попова «Натюрморт с подносом»
Семь судеб — и какая прекрасная коллекция! Что вам запомнилось — сказки? Трагизм? Париж? Брат Поленов, дядя Бенуа, муж Делоне, предок — Пушкин? Что ж, все это — краски жизни и судеб. Их проявления — на прекрасных картинах русских по происхождению мастериц.
