Регистрация
Обновите обложку профиля и отредактируйте данные о себе
Редактируйте основную информацию и ваш статус
Загрузите свою новую фотографию
Интересы
Добавляйте и редактируйте ваши предпочтения
16 октября считается днём рожденья великой русской драматической актрисы Полины Стрепетовой (1850-1903). Правда, точная дата её рождения неизвестна: ребенком Полину подкинули на крыльцо дома нижегородского театрального парикмахера Антипа Григорьевича Стрепетова и его жены Елизаветы Ивановны, артистки оперы, которые стали девочке приёмными родителями. Крошечная девочка-подкидыш еще в детстве решила, что будет актрисой. И действительно стала ею, сначала выходя на сцену в провинциальных Рыбинске и Саратове, а потом – покорив Петербург.

«Маленькая, неказистая женщина с громкой славой провинциальной актрисы приехала завоевывать столичного зрителя, — рассказывает биограф Репина и Левитана Софья Пророкова. — Она поступила на сцену Александрийского театра, когда там играли молодая Савина, Варламов, Давыдов. Стрепетова была уже не молода, больна, обладала трудным характером и огромным талантом.

Тут впервые на сцене новую актрису увидел Репин. Вместе со всем зрительным залом он был покорен ее Катериной в «Грозе». Эта роль словно создана для глубоко трагической актрисы, и Стрепетова исполняла ее так, что, казалось, после нее больше никто не может выйти на сцену в образе Катерины.

Была и еще одна роль, которую Стрепетова играла при затихшем и переполненном зале, — Степаниды в пьесе Потехина «Около денег». Художник Нестеров вспоминает об игре Стрепетовой в этом спектакле:

«С первого акта, где она появляется в своем черненьком, монашеском платьице, такая маленькая, худенькая, бледная, обреченная, с голосом, который «беду несет», — она завладевает зрителями до последнего, такого страшного, безумного момента. Она влюбляется в Капитона с такой силой искренности, что театр исчезает, зритель незаметно становится свидетелем подлинной житейской драмы».

Несколько лет изображала актриса на сцене неподдельное страдание. Трагизм был основой ее дарования, а как оказалось впоследствии, трагическое окрасило и последние годы ее прекрасной жизни.

В Стрепетову пылко влюбился молодой красивый студент А. Д. Погодин (внук известного историка). Он искал знакомства с актрисой. Чувство его только возросло, когда он увидел стареющую горбатенькую женщину с огромными страдальческими глазами.

Юноша любил впервые, и он отдал гениальной актрисе всю нерастраченность своих чувств. Вопреки мольбам родственников он женился на Стрепетовой, и супруги были очень счастливы. Но потом молодой муж стал ревновать жену к тем партнерам по сцене, с которыми она играла свои трагические роли, кого по сцене «любила», кому разрешала себя обнимать. Ревность эта приняла такой буйный характер, что муж не мог с ней сладить. Он умолял Стрепетову не играть таких ролей, где неизбежны были встречи с его сценическими «соперниками», унижался, просил. Но актриса не могла оставить того, ради чего она жила. И юноша застрелился у ее ног.

Стрепетова обезумела от горя. Она оставила сцену и доживала в раскаянье. Сцена потеряла талантливую актрису.

Репин написал Стрепетову, когда ее слава только пронеслась по Петербургу. Он изобразил ее в роли Лизаветы в «Горькой судьбине» Писемского (Портрет актрисы Пелагеи Антиповны Стрепетовой в роли Елизаветы). Портрет не удался. Актриса показана в застывшей позе, какая-то отяжелевшая. Можно ли было позировать, с легкостью и вдохновением изображая какое-то трагическое место, пьесы, если оно длится на сцене короткое мгновение? Конечно, нет. Поэтому искусственная затяжка позы очень ощутима. Фигура женщины получилась тяжелой, неестественной, а изображаемое ею состояние непонятным.

Зато другой портрет, долгое время называвшийся этюдом (Актриса П. А. Стрепетова), вошел в число репинских шедевров.

Будто только что тяжело вздохнула эта молодая женщина, и остался еще полуоткрытым ее рот. Что-то очень мучительное поднесла ей жизнь. Большие, затуманенные страданием глаза. Вынесет ли она, хрупкая, бледная, болезненная, свалившееся на нее горе?

Рассыпались по узким плечам гладкие каштановые волосы, белый воротник оттеняет болезненную прозрачность лица. Тревожная мысль пронеслась и чуть сдвинула брови. И вот уже кажется, что лицо посветлело, прояснилось, озарилось какой-то мимолетной радостью. Вот такое оно, это лицо, что в нем бездна ощущений, ни одно не застывает, они сменяются. Как уж этого достиг художник, осталось тайной его кисти, но достиг. Именно такая смена чувств придает портрету большую живость, позволяет любоваться лицом редкой выразительности.

Красноватый, воспаленный фон, переходящий в желтовато-серый, создает ощущение легкости, воздушности, окутывающей всю фигуру, и вместе с тем усиливает драматизм портрета.

Много раз видел Репин Стрепетову на сцене и ждал этой встречи с актрисой. Много раз видел он, как менялось ее лицо, как переходила она из состояния отчаяния и горя к покою, как от муки безнадежности возвращалась к жизни. Все это запомнилось, отложилось в сознании и оказалось где-то на кончике кисти, когда Репин писал Стрепетову уже у себя в мастерской.

Репин не хотел расставаться с портретом и после выставки забрал его к себе. Третьяков просил прислать непременно этот этюд×Этюд – учебный набросок, который художник использует для изучения натуры. Эдакие прописи для художника, где все просто и понятно. Этюд пишется быстро, точно, схематично, буквально на коленке – это проверенный способ осязания мира и его каталогизации. Но статус этюда в истории искусства настолько неустойчив, что иногда он приобретает значение гораздо большее, чем финальная картина, для которой он служил подспорьем. Его окружают серьезной широкой рамой – и водружают на музейные стены. Так в каком же случае этюд – это ученическая разминка, а в каком – самостоятельное, живое и ценное, произведение? читать дальше , но получил такой ответ художника:

«…относительно же этюда Стрепетовой — он останется у меня еще долгое и, может быть, очень долгое время. Не в том дело, что он мне понадобится, а он бывает нужен мне очень часто. Может быть, он поступит в Вашу галерею, когда меня уже не будет в живых».

В этом портрете художнику удалось передать цветом такое сложное состояние женской души, такое переплетение чувств, мыслей, что он мог быть чем-то полезен для создания картин. В натуре было подсмотрено то, что потом, преломленное через собственное воображение, могло найти свое выражение в совсем неожиданных образах. Проследить сейчас, в какой именно картине нашли отражение эти нервные, порывистые черты лица, эти гармонические краски, — трудно. Но что-то от них присутствует во многих прекрасных созданиях Репина. Портрет Стрепетовой был вершиной живописного темперамента и красоты колорита. Он должен был находиться всегда рядом, чтобы в последующих работах не потерять найденных в нем драгоценных открытий, не отступать назад».
Чтобы оставлять комментарии, войдите или зарегистрируйтесь.
Если вам нравится пост пользователя — отметьте его как понравившийся и это увидят ваши друзья
Комментируйте, обсуждайте пользовательские публикации и действия. Добавляйте к комментариям нужные фотографии, видео или звуковые файлы.
Как взбодриться хмурым осенним утром? Кофе? Пробежка? Живопись итальянцев нам в помощь!

«Посмотрим на подлинный триумф движения в картине Антонио Поллайоло «Битва Геракла с Антеем», – писал крупнейший эксперт по итальянской живописи Бернард Беренсон, – Когда вы почувствуете, как сильно уперлись в землю ступни Геракла, как напряжены его икры под тяжестью Антея, с каким яростным усилием он откидывается назад, какова сила его удушающего объятия, как могуч последний порыв Антея, одной рукой наносящего сокрушительный удар по голове Геракла, а другой выворачивающего ему руку, – вы сами испытаете бурный прилив энергии, разливающейся по жилам!.. Мы настолько покоряемся иллюзии участия в этой борьбе, словно в наших венах не медлительная струится кровь, а бьёт жизненный эликсир!»
Чтобы оставлять комментарии, войдите или зарегистрируйтесь.
«Говорят, например: «Поеду, поучусь технике». Господи, твоя воля! Они думают, что техника висит где-то, у кого-то на гвоздике в шкапу, и стоит только подсмотреть, где ключик, чтобы раздобыться техникой; что ее можно положить в кармашек, и, по мере надобности, взял да и вытащил. А того не поймут, что великие техники меньше всего об этом думали, что муку их составляло вечное желание только (только!) передать ту сумму впечатлений, которая у каждого была своя особенная. И когда это удавалось, когда на полотне добивались сходства с тем, что они видели умственным взглядом, техника выходила сама собой. Оттого-то ни один действительно великий человек не был похож на другого, и оттого часто художник, не выезжавший ни разу за околицу своего города, производил вещи, через 300 лет поражающие».

(Из письма Ивана Крамского Владимиру Стасову от 19 июля 1876 года)

Иллюстрация: Автопортрет. Фрагмент
Чтобы оставлять комментарии, войдите или зарегистрируйтесь.
Судьбы картин переменчивы, как и судьбы людей. Успех и забвение могут меняться местами. Вот пример. Картина Аркадия Рылова «Догорающий костер (1898) сейчас хранится в фондах Третьяковской галереи и не слишком известна широкой публике. Кто бы мог подумать, что в конце XIX века за это большое полотно серьёзно конкурировали Павел Третьяков и Музей Александра III (ныне Государственный Русский музей).

Вот что об этом рассказывал автор картины:

«Наконец настал последний день приема призведений на выставку. Утром пришли два служителя Академии за картиной. Я решил не выставлять её, сказал, что картина не окончена, но они не захотели слушать меня, почти силой взяли картину с мольберта и унесли. Я так боялся жюри, что не хотел спрашивать, принята ли моя картина (в Музей Александра III – Артхив).

Комиссия музея постановила приобрести картину, но пока писали протокол, Третьяков поторопился внести заведующему выставкой задаток и картина осталась за ним.

Передо мной стоял высокий худой, с впалыми щеками и глазами бородатый человек в сюртуке. Павел Михайлович, как настоящий купец, считал долгом торговаться с художниками, но в данном случае цена невысока, всего шестьсот рублей, а картина большая, в три аршина, да и музейная комиссия тут ходит – он только сказал: «Вы уж мне вместо уступки пришлите картину в Москву за свой счет. Я, конечно, с радостью согласился, это обошлось мне всего в двенадцать рублей...»
Чтобы оставлять комментарии, войдите или зарегистрируйтесь.
10 октября 1684 года родился основоположник и крупнейший мастер стиля рококо×Рококо называют самым легкомысленным и бездумным из всех стилей в искусстве. Почему тогда рококо столь значимо для русской изобразительной культуры? Почему определение от слова «рококо» звучит для нашего уха так экзотически – «рокайльный»? В чем основное различие рококо и барокко, которые люди малосведущие часто путают? Наконец, почему рококо – это прямой и непосредственный предок современной глянцевой культуры? Обо всем этом пойдёт речь ниже. читать дальше Антуан Ватто.

Он стал первым (и по значению, и по хронологии) художником времени, которое называют «галантный век» или, по меткому выражению из стихотворения Валерия Брюсова, «век суетных маркиз». Легкомысленные дамы и их рассеянно-учтивые кавалеры, меланхоличные музыканты, уличные торговцы и актёры — вот герои Ватто, которых он изображает со всевозможной грацией и утончённым психологизмом, но без тени грубоватого разоблачительства, свойственного жанровой живописи.

Поэт Шарль Бодлер утверждал, что самое ценное в искусстве Ватто – его капризные, своенравные, но бесконечно элегантные женщины.

Интересно, что и лучший портрет самого Ватто написала женщина – венецианская художница Розальба Каррьера, изящным искусством которой Ватто восхищался.

Иллюстрации: Портрет Антуана Ватто
Четыре эскиза женской головы и двух сидящих женщин
Чтобы оставлять комментарии, войдите или зарегистрируйтесь.
9 октября, во Всемирный день почты, вспоминаем замечательную историю о том, как простой французский почтальон Фердинан Шеваль (1836 – 1924) сделался предтечей стиля Ар брют.

Жозеф Фердинан Шеваль (на фото) работал почтальоном небольшого городка Отрив. Но с детства грезил о собственном замке. Доходы почтальона не предвещали осуществления мечты. И тогда Шеваль начал... собирать камни (в этой области Франции гористый ландшафт, и по пути почтальон находил много камней необычной формы и расцветки). Через 20 лет, после выхода на пенсию, почтальон начал строить свой «Идеальный замок».

На постройку дворца мечты у Шеваля ушло 33 года. Для «склеивания» замка автор использовал смесь из цемента и извести. Это настоящий архитектурный полет фантазии – в замке можно увидеть сюжеты из Библейской и Индусской мифологии. На стены дворца нанесены изречения Будды и Христа. Внутри есть и мечеть, и храм Девы Марии. Замок имеет множество ходов и выходов. Снаружи Идеальный дворец Шеваля украшают лестницы, фонтаны и скульптуры. Популяризировать это наивное, странное, но по-своему красивое творение начали Пабло Пикассо и Андре Бретон. А в 1969 году Министерство культуры Франции объявило о присвоении Идеальному дворцу официального статуса исторического памятника.

«Идеальный замок» стал одним из самых известных произведений наивной архитектуры, а его автор Фердинан Шеваль, более известный как «почтальон Шеваль», – предтечей направления Ар брют (от франц. Art Brut — грубое, неогранённое искусство).

Чтобы оставлять комментарии, войдите или зарегистрируйтесь.
Антонис ван Дейк. Отдых на пути в Египет (Мадонна с куропатками)
Помните классический разговор о женщинах между Онегиным и Ленским? Многоопытный и искушённый Онегин удивляется, что его приятель выбрал из двух сестёр Лариных совсем не ту, которую следовало бы поэту-романтику:

...Скажи: которая Татьяна?»
— Да та, которая грустна
И молчалива, как Светлана,
Вошла и села у окна.—
«Неужто ты влюблен в меньшую?»
— А что? — «Я выбрал бы другую,
Когда б я был, как ты, поэт.
В чертах у Ольги жизни нет.
Точь-в-точь в Вандиковой Мадонне:
Кругла, красна лицом она,
Как эта глупая луна
На этом глупом небосклоне».
Владимир сухо отвечал
И после во весь путь молчал.

Кто такая эта «Вандикова мадонна», с которой так нелестно сопоставляет Онегин Ольгу Ларину? Очень просто: Вандиком тогда называли Антониса Ван Дейка, а его героиня, в лице которой «жизни нет», — это «Мадонна с куропатками» из Эрмитажа.
Чтобы оставлять комментарии, войдите или зарегистрируйтесь.
Адриан Брауэр. Пьяница
Этот голландский художник XVII века, ученик Рубенса, слыл забулдыгой и пьяницей. Не получал королевских заказов, как Рубенс. Не писал богатых буржуа, как Рембрандт. Жил в эпоху расцвета пышного барокко, но не имел с ним ничего общего. Не терпел возвышенного и торжественного. Больше времени, чем в мастерской, проводил в накуренных тавернах, крестьянских кабачках и темных подвалах, где собирались отъявленные алкоголики и дебоширы. Их он и писал. Свалки, дикие драки, разнузданные пирушки – вот излюбленные сюжеты этого поразительно наблюдательного живописца.

Простые современники не понимали: разве это искусство? Ужас какой-то! А вот Рубенс и Рембрандт коллекционировали этого нетипичного художника: у первого в коллекции было семнадцать его картин, а у второго – восемь.

Звали художника Адриан Брауэр. Пьянство и беспорядочный образ жизни стоили ему здоровья, Брауэр умер в 32 года. После него осталось около 150 картин. А слава настигла Брауэра лишь после смерти.
Чтобы оставлять комментарии, войдите или зарегистрируйтесь.
Показать ещё
HELP