В Мыстецьком Арсенале открылся масштабный проект «Чистое искусство». Выставка знакомит с уникальными непрофессиональными украинскими художниками ХХ века, творчество которых вдохновляло известных мастеров и продолжает влиять на современное искусство. В экспозиции – работы М. Примаченко, А. Собачко-Шостак, А. Богомазова, Н. Пимоненко, А. Хвостенко-Хвостова, А. Шабатуры, Д. Перепелицы, А. Садакова, Е. Лещенко, А. Ройтбурда и многих других мастеров - аматоров, примитивистов и участников современной арт-сцены. В нашем обзоре – знакомство с  феноменами украинского "наива".

«Главная идея проекта – диалог: между академической традицией и народной картиной, между наивным искусством и примитивизмом на фоне современного искусства, которое ищет в архетипных кодах наива источник вдохновения и референций» – Алиса Ложкина, куратор проектов Мыстецкого Арсенала.



Николай Корнильевич Пимоненко. Не шути!
Не шути!
1895, 79×108 см
Неизвестный автор. "Тікай Петре з Наталкою, іде мати з качалкою"

Николай Корнильевич Пимоненко. Соперницы (У колодца)
Соперницы (У колодца)
1909, 194×149 см
На выставке представлены работы из собраний Национального художественного музея Украины, Музея И. Гончара, Национального музея украинского народного декоративного искусства, Мыстецького Арсенала (авангард из коллекции И. Дыченко), Национального музея Т. Шевченко и частных собраний.

Н. Пимоненко "Соперницы" (У колодца), 1909, НХМУ


На протяжении ХХ столетия творчество профессиональных художников и талантливых аматоров-самоучек претерпевали постоянные взаимовлияния и взаимопроникновения. Некоторые народные мастера сейчас считаются классиками. Именно к таким классикам можно отнести народную художницу Марию Примаченко, творчество которой широко известно. 

Мария Авксентьевна Примаченко. Фантастическая птица
Фантастическая птица
1937

"...если увеличить многие ее образы одновременно, наверное, это будет не менее страшно, чем «Парк Юрского периода» Спилберга". Арсен Савадов



1.1. М. Примаченко "Попугай-всадник"
1.2. М. Примаченко "Зеленый слон", 1936

На выставке представлены 22 её рисунка, которые расположили рядом с работой Арсена Савадова «Посвящение Примаченко», называющего художницу «звездой наивного искусства».
«Если убрать всю матиссовскую декоративность, то ее образы очень сильные и не слишком добрые. Что пробуждало прекрасное – этот страх или декоративность - для меня осталось тайной. Но если увеличить многие ее образы одновременно, наверное, это будет не менее страшно, чем «Парк Юрского периода» Спилберга» - делится своими впечатлениями А. Савадов, перенося в свою работу животных и цветы с рисунков Примаченко.

Арсен Савадов "Оммаж Марии Примаченко", 2010-2011


Диалог профессионального художника с мастером по зову сердца на выставке продолжают отец и сын – Александр и Евгений Лещенко.
Лещенко-старший учился рисовать в иконописной мастерской, и всю жизнь до 94 лет писал пейзажи и портреты, отилчающиеся особым светящимся колоритом. Чувствовать цвет он научил сына, и поддержал его желание стать профессиональным художником.

Александр Лещенко "Заход солнца", 1990-е, холст, масло. Частное собрание

Творчество Евгения Лещенко, дипломированного мастера, представляет классический примитивизм
С термином «примитивизм» в живописи не все так просто. Во-первых, искусствоведы не всегда сходятся во мнениях, говоря о расшифровке его значения. Помимо этого, все отягощается наличием синонимов, которыми его могут обозначать. Или не синонимов вовсе – смотря какой из точек зрения придерживаться.
Читать дальше
, вдохновленный наивным искусством.


Отношение к миру, как райскому сказочному саду, населенными таинственными существами, яркий колорит и мажорный лад сближают творчество Евгения Лещенко с работами лучших мастеров-примитивистов.


Евгений Лещенко "Сборы", 2001, холст, масло. Собственность автора

Евгений Лещенко "Забавляются цветы яркие", 2005, холст, масло. Собственность автора


Выставка «Чистое искусство» раскрывает феномен наивного искусства, силу его притягательности и неотразимого очарования, под которое попадают зрители, профессиональные художники, искусствоведы. Художник-самоучка не стремится к славе и почестям, не ищет званий и наград, не отягощен советами коллег по цеху и оценкой экспертов и критиков. Он творит так, как видит и чувствует. Часто работы народных мастеров напоминают застывшую идиллию, райский уголок, в котором нет ни тени печали. Они создают иллюзию того, что ее творцы живут в параллельной реальности. Однако, многие работы на выставке созданы в сложные времена становления советской власти, сталинских репрессий, послевоенных лет. И все же, глядя на них, возникает ощущение сопричастности наивных художников к жизни в эдемском саду, когда человек, не знавший греха, в своей чистоте был свободным и естественным.




Петр Гончар, сокуратор выставки и директор Музея Ивана Гончара, наиболее точно выразил сущность наивного искусства:
«Это любовь и душа»



Александра Шабатура. "Село", конец 1920-х годов

Александра Шабатура. "Пейзаж с тремя хатами", 1930-е


Отдельной темой на выставке представлен портретный жанр. Особенное внимание привлекает творчество Афанасия и Якилины Ярмоленко, работы которых обнаружили несколько лет назад директор и хранитель Музея И. Гончара – Петр Гончар и Галина Щупак во время одной из экспедиций по окрестным селам в поисках реликвий. В одной хате они увидели картины Ярмоленко.

«Мы еще не знали этого художника, до сих пор ничего о нем не слышали, а портреты говорили сами за себя. Это были шедевры» - напишет позже о первой встрече с работами Галина Щупак.

Панас Ярмоленко. Семья
Семья
1941
Афанасий Ярмоленко (1886-1953) последние 10 лет жизни жил в Переяславе. Неизвестно, имел ли он художественное образование, однако несколько лет он преподавал рисование в местной школе.

Самыми выразительными были его портреты, похожие на парсуны. Петр Гончар отмечает в них "ощущение вечности".

А. Ярмоленко "Автопортрет"

«В центре сам хозяин в вышиванке – Дмитрий Микула, рядом на коне – его сын Иван, еще подросток, а с другой стороны – окраса картины – на скамеечке возле хаты – жена Горпина с маленькой Галочкой на руках. Вокруг нее цветы. И смотрела на нас эта Украинская Мадонна спокойно и уверенно, потому что это был ее двор, ее семья, ее хата, ее земля, наконец. И лицо у нее было очень красивое, с тонкими чертами...
Панас Ярмоленко. Семья Дмитрия Микулы
Семья Дмитрия Микулы
1933, 102×149 см
Панас Ярмоленко. Портрет Натальи Кучеренко
Портрет Натальи Кучеренко
1928
...Вообще Ярмоленко рисовал женщин с какой-то особенной теплотой – все они у него не просто привлекательные, а настоящие красавицы, и эта красота не только внешняя: они смотрят на нас взглядом особенным, – эти Василины, Горпины, Анны, Ульяны, Параски, Евфросиньи; это смотрит на нас сама Украина, это ее женщины, которые давно ушли и сейчас словно спрашивают у нас: а вы какие теперь?» - Галина Щупак главный хранитель Музея И. Гончара.

А. Ярмоленко "Портрет Натальи Кучеренко", 1928

Якилина Ярмоленко училась у отца, рисовала детали в его работах. Позже выяснилось, что именно цветы и букетики в руках моделей – дело рук дочери художника. Замечательная серия портретов самой Якилины с любовью рассказывает о семье. 


1.1. Якилина Ярмоленко "Портрет мужа"
1.2. Якилина Ярмоленко "Мальчик в синем"
Якилина Ярмоленко. Ярина
Ярина
Дмитрий Перепелица. Натюрморт с арбузом
Натюрморт с арбузом
1930-е
Творчество многих народных художников стало известно благодаря трудам музейных сотрудников. Ким Скалацкий, директор Полтавского художественного музея, собрал хорошую коллекцию наивного искусства для своего музея и открыл многих полтавских художников-самоучек, исследовал феномен полтавских кустарей, среди них Семен Фурман, Александра Шабатура и Дмитрий Перепелица.

Работа Дмитрия Перепилицы (1903-1981) «Натюрморт с арбузом» вошла в «Всемирную энциклопедию наивного искусства» (Белград, 1984).
Александра Шабатура "Село", 1930-е


Талантливых художниц Ярину и Софию Гоменюк из Черкасской области открыл искусствовед и художник Нарцисс Кочережко. Творчество сестер началось с росписи своей хаты, а затем родственники и соседи приглашали Ярину и Софию украсить их дома. Мастерицы рисовали в технике гуаши, а кисточки делали из лесных трав, для каждой краски была своя кисточка. Их работам характерна метафоричность и ассоциативность образов, необыкновенная фантазия в изображении простых сюжетов.

Ярина Гоменюк. Заря поднимается над миром
Заря поднимается над миром
1969

Художница-самоучка Анна Готвянская из Харьковской области всю жизнь работала на ферме, а вечерами и ночами вышивала рушники, иконы, картины и ковры, причем никогда не используя покупных ниток, а распуская старые вещи. Перед выходом на пенсию она начала рисовать. 86-летняя художница приезжала на открытие выставки.

Ганна Готвянская "Выбеливание полотна", 1994, картон, дерево, масло. Национальный музей народной архитектуры и быта Украины
Ганна Готвянская "Девушки отбеливают полотно", 2006

Искусство воспитательницы детского сада из Кривого Рога Анастасии Рак покорило парижскую публику. В 1999 году в рамках Дней украинской культуры в Париже её живописные работы на стекле были представлены на выставке в Музее человека. Они имели огромный успех и после четырех месяцев экспозиции парижская дирекция попросила продлить выставку еще на несколько месяцев, пригласила художницу провести мастер-класс и приобрела некоторые работы в свое собрание.




Анастасия Рак (1922-2014)  "Под защитой ангела"

Татьяна Пата "Черная скрыня", 1926-1928, дикт, темпера
Темпера (от лат. temperare – смешивать краски) – краски на основе натуральной (растительный сок, казеин, яичный желток) или синтетической (полимеры) эмульсии, которые изготавливают из сухих пигментов (натуральных либо же искусственных). Темперные краски изобрели задолго до масляных. Гробницы египетских фараонов украшают узоры, выполненные темперой. Не случайно её называют самым долговечным художественным материалом. Творцы используют его уже 3 тысячи лет. В России темперой писали до ХVII века.
Читать дальше
. Национальный музей украинского народного декоративного искусства

Николай Мельник "Натюрморт с арбузом", 1997, дикт, масло. Музей И.Гончара, Киев


В европейском искусстве по-новому начали открывать «наив» в конце 19 – начале 20 века в поисках нового художественного языка. Творчество наивных художников вдохновляло Пикассо, Матисса, Хоана Миро. Под большим влиянием наивного и народного искусства находился украинский авангард
Малевич, «изобретая» супрематизм, в мастерскую никого не пускал. Единственным исключением была художница-авангардистка Александра Экстер. Некогда жительница Киева, переехав во Францию, она преподавала в школе Фернана Леже, создавала «модельную» одежду, и после долгого забвения ее картины сегодня ценятся «на миллион». Наш небольшой экскурс – по киевским маршрутам «амазонки русского авангарда». Читать дальше
, особенно творчество А. Экстер, К. Малевича, Д. Бурлюка. Покоренные непосредственностью, простотой и честностью непрофессиональных художников, они сотрудничали с сельскими артелями и народными мастерами.


1.1. А. Хвостенко-Хвостов. Эскиз костюма Фата-Моргана на балу к опере С. Прокофьева "Любовь к трем апельсинам", 1926, бумага, гуашь
Гуашь (от франц. Gouache - влажный) – вид живописи, в котором используют матовые водорастворимые краски. Их также называют этим термином. Возникла гуашь в ХI веке, когда к акварели добавили клей и белила для достижения большей плотности. Её консистенция создает непрозрачное изображение, может перекрывать «неудачные» места. В Средневековье гуашевыми краскам создавали миниатюры в книгах. Художники эпохи Возрождения использовали их для эскизов. В России гуашь стала популярна среди плакатистов. В станковой живописи её применяют для оформления декоративных элементов, в сочетании с тушью или акварелью. Гуашью работают не только на бумаге, а и на холсте, фанере, ткани.Краска сначала наносится тонким флоем, а затем перекрывается болем плотным. Существует художественная и плакатная гуашь. Для последней характерна большая насыщенность.
Читать дальше
. Из коллекции И. Дыченко. Мыстецький Арсенал
1.2. А. Хвостенко-Хвостов. Эскиз костюмов придворных к опере С. Прокофьева "Любовь к трем апельсинам", 1926, бумага, гуашь
Гуашь (от франц. Gouache - влажный) – вид живописи, в котором используют матовые водорастворимые краски. Их также называют этим термином. Возникла гуашь в ХI веке, когда к акварели добавили клей и белила для достижения большей плотности. Её консистенция создает непрозрачное изображение, может перекрывать «неудачные» места. В Средневековье гуашевыми краскам создавали миниатюры в книгах. Художники эпохи Возрождения использовали их для эскизов. В России гуашь стала популярна среди плакатистов. В станковой живописи её применяют для оформления декоративных элементов, в сочетании с тушью или акварелью. Гуашью работают не только на бумаге, а и на холсте, фанере, ткани.Краска сначала наносится тонким флоем, а затем перекрывается болем плотным. Существует художественная и плакатная гуашь. Для последней характерна большая насыщенность.
Читать дальше
. Из коллекции И. Дыченко. Мыстецький Арсенал.

1.1. А. Хвостенко-Хвостов. Эскиз костюма министра Леандра к опере С. Прокофьева "Любовь к трем апельсинам", 1926, бумага, гуашь
Гуашь (от франц. Gouache - влажный) – вид живописи, в котором используют матовые водорастворимые краски. Их также называют этим термином. Возникла гуашь в ХI веке, когда к акварели добавили клей и белила для достижения большей плотности. Её консистенция создает непрозрачное изображение, может перекрывать «неудачные» места. В Средневековье гуашевыми краскам создавали миниатюры в книгах. Художники эпохи Возрождения использовали их для эскизов. В России гуашь стала популярна среди плакатистов. В станковой живописи её применяют для оформления декоративных элементов, в сочетании с тушью или акварелью. Гуашью работают не только на бумаге, а и на холсте, фанере, ткани.Краска сначала наносится тонким флоем, а затем перекрывается болем плотным. Существует художественная и плакатная гуашь. Для последней характерна большая насыщенность.
Читать дальше
. Из коллекции И. Дыченко. Мыстецький Арсенал.
1.2. А. Хвостенко-Хвостов. Эскиз костюма Фата-Моргана к опере С. Прокофьева "Любовь к трем апельсинам", 1926, бумага, гуашь
Гуашь (от франц. Gouache - влажный) – вид живописи, в котором используют матовые водорастворимые краски. Их также называют этим термином. Возникла гуашь в ХI веке, когда к акварели добавили клей и белила для достижения большей плотности. Её консистенция создает непрозрачное изображение, может перекрывать «неудачные» места. В Средневековье гуашевыми краскам создавали миниатюры в книгах. Художники эпохи Возрождения использовали их для эскизов. В России гуашь стала популярна среди плакатистов. В станковой живописи её применяют для оформления декоративных элементов, в сочетании с тушью или акварелью. Гуашью работают не только на бумаге, а и на холсте, фанере, ткани.Краска сначала наносится тонким флоем, а затем перекрывается болем плотным. Существует художественная и плакатная гуашь. Для последней характерна большая насыщенность.
Читать дальше
. Из коллекции И. Дыченко. Мыстецький Арсенал

В начале ХХ века в Украине появились творческие артели, мастерские, обучающие школы. В 1910 году помещица Анастасия Семиградова открыла мастерскую по изготовлению ковров в с. Скопцы Киевской области. Среди вышивальщиц, работавших здесь в 1910-1916 годы, была Анна Собачко-Шостак. Анна подружилась с Александрой Экстер, приезжавшей в Скопцы, и увлеклась графикой. В технике акварели и гуаши она рисовала декоративные панно в духе «сельского футуризма» - динамичные композиции с цветочными орнаментами, переосмысленные под влиянием авангардного искусства. По ее рисункам создавали ковры и вышивки, а ее работы экспонировались на выставке в Москве в 1915 году, а затем в Праге, Берлине, Дрездене, Париже и Нью-Йорке.
Ниже на фото первая и третья работы А. Собачко-Шостак, посередине - композиция А. Богомазова.
 



О творчестве украинской вышивальщицы говорил Анри Матисс в 1916 году: «Не вам, а нам у вас надо учиться, ведь у вас есть великое национальное искусство, иконы и уникальное народное искусство Анны Собачко».


Ганна Собачко-Шостак. Танец цветов
Танец цветов
1915

Центром творческих связей художников авангарда и народных мастеров была также вышивальная мастерская в с. Вербовка Черкасской области, открытая княгиней Натальей Давыдовой в 1910 году. Руководить мастерской в 1914 году Давыдова пригласила Александру Экстер, а позже – Казимира Малевича. Совместно с художниками авангарда Экстер, Малевичем, Поповой, Якуловым народные мастера создавали уникальные образцы вышивки, в которых переплетались опыт народной декоративной росписи с современными супрематическими формами. Среди воспитанников мастерской был Евмен Пшеченко.


1.1. Е. Пшеченко "Акробат", 1927
1.2. Б. Косарев / В. Ермилов "Трудиада"

Руководить вышивальной мастерской в 1914 году княгиня Наталья Давыдова пригласила Александру Экстер, а позже – Казимира Малевича


Евмен Пшеченко. Дракон
Дракон
1920-е
Георгия Малявина можно считать представителем городского наива. О художнике, больше известного в Одессе как Жора Кочегар, известно совсем мало. Его работы продавались на улицах и одесском блошином рынке. Их приобретали коллекционеры из Киева, Одессы и Москвы, однако, мало кто был знаком с художником лично. 


Г. Малявин "Автопортрет"


На выставке представлены работы Малявина из собрания известного современного художника Александра Ройтбурда. Это очень своеобразные копии знаменитых работ: им присуща индивидуальная творческая манера, благодаря которой совершенно меняется восприятие знакомых с детства образов. «Мона Лиза» да Винчи, «Девочка с персиками» В. Серова, «Автопортрет с Саскией» Рембрандта - стилизованные, с выразительной упрощенной формой, придающей мировым шедеврам новый - "наивный" колорит.



Выставка "Чистое искусство" в Мыстецьком Арсенале продлится до 9 мая 2017 года.




В публикации использованы материалы сайтов Мыстецького Арсенала, Музея И. Гончара, Украинский наив ХХ века: artarsenal.in.ua, honchar.org.ua, ukrainian-naive.com. 
Титульная иллюстрация: Дмитрий Перепелица "Натюрморт с арбузом"