Что делать, если вы не попали на выставку Леонардо, Микеланджело или Винсента, но очень хотели? Идти в кинотеатр. Арт-объединение CoolConnections представляет проект «АртЛекторий в кино»: на больших экранах в 60 городах России, а также в Украине, Грузии, Казахстане, Азербайджане и Беларуси показывают полнометражные документальные фильмы, в основе которых самые громкие выставки последних лет. Директор CoolConnections Надежда Котова рассказывает, почему смотреть картины на большом экране даже интереснее, чем на выставке.
— Когда и где вы впервые увидели фильм-выставку?
— Это было в 2011 году, и был большой шум на тему выставки Леонардо в Национальной галерее в Лондоне. Там были невероятные столпотворения людей, все билеты были проданы. Мы услышали, что планируется прямая трансляция с этой выставки, но уже не успевали включится в неё. И нам предложили купить права на фильм «Леонардо HD» для дистрибуции, что мы тогда позволить себе не могли. Это было весной. Время шло, и мы вспомнили про Ночь музеев. К этому времени у фильма уже появились мировые дистрибьюторы. Мы с ними списались и предложили сделать три сеанса в Ночь музеев. Мы договорились и, когда анонсировали фильм, продали билеты буквально за неделю. Тогда нашей основной площадкой был кинотеатр 35 мм в Москве, большой зал, и мы сделали сеансы в 19 часов, 21 и 23 часа — ближе к ночи. Нам потом пришло очень много писем: «А как же дети? Почему вы не сделали пятичасовой сеанс?!» То есть билеты мы продали очень быстро и получили приятный отклик. Фильм-выставка оказался интересен и людям с очень базовыми представлениями о живописи, и людям, которые занимаются искусством профессионально. Рассказ про картины, мнение экспертов, их живой разговор — это нельзя назвать стандартной экскурсией. В фильмах есть и личные впечатления от художника, и экспертная оценка. И, конечно, мы подписались на первый же фильм-выставку, который появился после «Леонардо НD», и на весь проект. Потом у нас собралось большое количество материалов для показа, мы решили сделать русский закадровый переовод фильмов-выставок и попытаться выделить их в отдельное направление, чтобы сделать этот проект доступнее для широкой аудитории.
— В России сложилась традиция смотреть документальные фильмы об искусстве, когда они идут на телевидении. На телеканале «Культура», например. Вы предлагаете принципиально иной подход — пойти на фильм об искусстве в кинотеатр…
— Да, мы привыкли к документальному кино об искусстве, где рассказывают и показывают, но проект Фила Грабски отличается тем, что он очень хорошо научился снимать сами картины. Когда вы приходите на фильм-выставку, вы получаете возможность рассмотреть картину так, как никогда больше её не рассмотрите. В репродукции в книге всё зависит от качества издания. А если вы попали в музей к подлиннику… Сейчас всё больше людей смотрит на произведение через экран телефона. Люди приходят в музей и уносят картину с собой — фотографируют её. Привычка рассматривать всё через маленький экран удивительна. Вы откладываете визуальное восприятие. Посещение кинотеатра прекрасно тем, что вы в пространстве, где у вас не закипит чайник и не зазвонит телефон, вас ничто не отвлекает. И перед вами огромный экран и возможность не откладывать на потом, а именно сейчас посмотреть и послушать. В этом смысле проект уникальный, потому что у вас должен быть дома очень хороший телевизор с очень хорошей цветопередачей, чтобы дать такой же уровень визуального восприятия.
— У вас есть любимый фильм из цикла «АртЛекторий в кино»?
— «Сады в живописи» — очень атмосферный фильм. Там невероятно красивые переходы от живых садов к картинам. Мотивирующий фильм к тому же, сразу хочется заняться садоводством, составлять букеты…
— А есть ли какая-то выставка, которую вы хотели бы, чтобы снял Фил Грабски?
— Вы знаете, Фил был в России уже два раза — на презентации фильма о Босхе и как раз «Садов в живописи» — и, чем больше он ходит по нашим музеям, тем больше интересуется их коллекциями. Конечно, мне было бы интересно, чтобы какая-то выставка или постоянная экспозиция или Третьяковской галереи или Русского музея попала в его объектив. Какие-то произведения он снимал в Эрмитаже, например. Но фильмов, посвящённых русским художникам, пока нет.
— Какие планы у проекта «АртЛекторий в кино» сейчас?
— Мы сейчас хотим развивать проект «АртЛекторий в кино», который объединяет и фильмы-выставки, и показанный нами фильм к 250-летию Эрмитажа, и фильм «Революция». У нас был очень успешный опыт, когда мы показывали фильм «Уильям Тёрнер» в рамках фестиваля британского кино и собрали полные залы. У нас есть фильм про Эгона Шиле, который тоже очень органично вписался бы в АртЛекторий. Понятно, что это уже художественные фильмы с неким авторским осмыслением жизни художника, но они были бы интересным дополнением к АртЛекторию.
— А какова география проекта?
— По России у нас порядка 60 городов. Мы показываем наши фильмы на Украине, в Грузии, Казахстане, Азербайджане. Сейчас мы работаем с теми же кинотеатрами, которые показывают наш проект Театр HD, но здесь у нас более широкие возможности. На примере Москвы мы попробовали сделать утренние сеансы. И достаточно успешно сделали в «Формуле кино ЦДМ» циклы фильмов об искусстве в виде абонементов. Это было специальное предложение для подписчиков — у них было время для того, чтобы купить билеты на весь цикл по специальной цене. На это очень хорошо отреагировала публика: за 2 дня все билеты, которые на это спецпредложение были выделены, раскупили и на выходные, и на будние дни. Так что мы хотим, чтобы у кинотеатров была возможность творчески подойти к этому.
Сейчас в программе проекта «АртЛекторий в кино» 17 фильмов о художниках и направлениях в искусстве, о крупнейших выставках последнего десятилетия. Ниже — информация о нескольких лентах, идущих в прокате до 30 ноября.
Выбирайте ваш город на странице проекта — и смотрите, когда ближайший сеанс.
Выбирайте ваш город на странице проекта — и смотрите, когда ближайший сеанс.
Сад художника: американский импрессионизм
Когда волна увлечения импрессионизмом захлестнула Америку, оказалось, что американские художники вслед за французскими коллегами хотят бежать из больших городов. Они тоже стремились писать на пленэре и тоже были очарованы красотой садов. Летом они выезжали на природу и селились целыми колониями — в Корнише, в доме мисс Флоренс Гризволд в Олд Лайме, на ферме Вейра в Коннектикуте. Там американские импрессионисты писали залитые солнцем сады, буйное цветение роз и старинные поместья Новой Англии.Этот особенный период в истории американского искусства лёг в основу выставки, а затем и фильма «Сад художника: американский импрессионизм». Режиссёр Фил Грабски вслед за Джоном Сарджентом, Теодором Робинсоном, Филиппом Лесли Хейлом и Мэри Кассат всматривается в природу, вдохновившую художников на создание совершенно особого мира американского импрессионизма.
В фильме «Сад художника: американский импрессионизм» историки искусства и историки садов, кураторы и актриса Джиллиан Андерсон рассказывают о том, как увлечение садами и живописью на пленэре стало ответом на индустриализацию Америки, на рост городов и эксплуатацию природы ради экономики. На их картинах природа — будь то сады Новой Англии или парки в больших городах — становится образом свободы, красоты и покоя.
Девушка с жемчужной серёжкой
«Девушку с жемчужной серёжкой» Яна Вермеера часто называют северной Джокондой — она так же загадочна и притягательна своей вневременной красотой. Вот уже больше ста лет, с тех пор как картина попала в коллекцию музея Маурицхёйс в Гааге, исследователи бьются над её загадкой. Кем была эта девушка? Портрет ли это или трони, как называли в Голландии полу-жанр полу-портрет, введённый в моду Рембрандтом? Почему на ней восточный тюрбан, и какие слова почти видимо слетают с её губ, когда она оборачивается к зрителю?В фильме Фила Грабски «Девушка с жемчужной серёжкой» картина Вермеера — повод и отправная точка для разговора о голландском Золотом веке, удивительном периоде в истории страны, которая за 86 лет, прошедшие с провозглашения Нидерландов республикой до начала Третьей англо-голландской войны, дала мировому искусству больше великих живописцев, чем за всю остальную историю своего существования. Среди них Рембрандт и Франс Халс, Карел Фабрициус и Ян Вермеер.
О художнике Яне Вермеере известно немногое. Даже его шедевр «Девушка с жемчужной серёжкой» — тогда потемневший от времени холст — был куплен в далёком 1881 году на аукционе всего за 2 гульдена 30 центов коллекционером Андриесом дес Томбе как произведение неизвестного мастера. Умиротворённая красота полотен Вермеера и действительно возникает будто бы ниоткуда, не отягощённая ни подробностями биографии, ни последователями или учениками. На них Вермеер с почти режиссёрской точностью выстраивает мизансцены и рассказывает историю одним мгновением, будь то «Девушка, читающая письмо у открытого окна», «Женщина с лютней» или «Девушка с жемчужной серёжкой». История эта после просмотра фильма Фила Грабски может у всех зрителей оказаться разной, но, оставшись наедине с картиной Вермеера, каждый почувствует, как мир и время останавливаются, неподвластные вечности искусства.
Импрессионисты
«Импрессионисты» — фильм о выставке, совершившей путешествие по музеям Парижа, Лондона и Филадельфии в 2014—2015 году. И если в Филадельфии она называлась «Открытие импрессионистов», то в Париже её посвятили памяти человека, который это открытие совершил — Поля Дюран-Рюэля.Как ни странно, Дюран-Рюэль не был ни художником, ни искусствоведом. Сложно объяснить тот факт, что владелец магазина товаров для художников и галереи совершил одну из главных революций в мире искусства, хотя всю жизнь был убеждённым традиционалистом, католиком и роялистом. Но именно он изменил ход истории искусства, превратив французских импрессионистов из тех, кого публика и критика считала опасными безумцами, в знаменитых на весь мир живописцев.
Можно назвать чистой случайностью то, что Дюран-Рюэль, заметив однажды в мастерской бельгийского художника Альфреда Стевенса две картины Эдуара Мане, два дня спустя постучал в его дверь и купил уже 23 картины — всё, что увидел там. В течение многих лет он продолжал скупать произведения Мане и Моне, Писсарро и Сислея, Дега и Ренуара. Через его галерею прошло около 12000 картин импрессионистов, которых поначалу не желала признавать французская публика. «Все соглашались, что я не в своём уме», — писал впоследствии Поль Дюран-Рюэль. Но он верил в новый живописный стиль и покровительствуемых им художников, и эта вера окупилась сполна.
В 2014 году, почти 100 лет спустя после его смерти, памяти одного из самых успешных арт-дилеров в истории посвятили выставку импрессионистов в Люксембургском музее в Париже, за которой последовали выставки в лондонской Национальной галерее и Художественном музее Филадельфии, и основанный на них фильм Фила Грабски «Импрессионисты». В фильме Фила Грабски присутствует и история арт-дилера, не побоявшегося риска, и атмосфера Парижа «прекрасной эпохи», и, конечно, полотна импрессионистов и художников их круга, которые Дюран-Рюэль приобретал и выставлял: Мане, Моне, Сислея, Писсарро, Ренуара — живопись изысканная и очень французская.
Сады в живописи — от Моне до Матисса
Клод Моне сказал однажды, что ни к чему не способен кроме разве что живописи и садоводства. Когда кураторы из Королевской академии художеств в Лондоне готовили выставку о садах в живописи, они задались вопросом: как увлечение садоводством и садами в конце XIX и в начале ХХ века повлияло на рождение современного искусства? Если Клод Моне и Гюстав Кайботт с увлечением посещали выставки цветов и заказывали для своих садов самые экзотические сорта, разве не могло это повлиять на их цветовую палитру и даже саму манеру письма?Фильм «Сады в живописи — от Моне до Матисса» исследует тот период европейского искусства, когда сад превратился в любимую мастерскую для многих художников. В саду они изучали взаимодействие цветов и влияние света на пейзаж — известно, например, что Моне отказывался выходить из дома, если свет в тот день был плохой и писать сад было невозможно.
От зачарованных садов эпохи символизма до времени, когда цветы стали почти орнаментом на картинах Пьера Боннара и Анри Матисса, фильм «Сады в живописи» показывает все превращения, которые происходили с садами, пейзажной живописью и искусством на рубеже веков. Режиссёр Фил Грабски учит своих зрителей внимательно всматриваться в природу и — вслед за этим — в картину. Ведь, как заметил как-то Клод Моне, волшебство пейзажа открывается только постепенно.
Леонардо HD
В 1482 году малоизвестный тосканский мастер Леонардо да Винчи прибыл ко двору миланского герцога Лодовико Мария Сфорца, а в 1499 — покинул Милан известнейшим художником своего поколения, а, может быть, и всех времён. О том, чем были наполнены эти 17 лет, о становлении Леонардо-художника — фильм Фила Грабски, визуальный эквивалент нашумевшей лондонской выставки «Леонардо да Винчи: придворный живописец миланского двора», прошедшей в 2011 — начале 2012 года в Национальной галерее.Тогда в Лондоне была собрана более чем половина живописного наследия Леонардо — беспрецедентный случай в истории. «Дама с горностаем» из Фонда князей Чарторыйских в Кракове, «Прекрасная Ферроньера» из Лувра, «Мадонна Литта» из Эрмитажа, «Блаженный Иероним» из Ватиканской пинакотеки и две «Мадонны в скалах», из Лувра и Национальной галереи, показали лондонской публике другого Леонардо. Не медийную фигуру и не мастера в зените своей славы, каким он окажется в конце жизни, когда будет работать при дворе французского короля Франциска I. Это Леонардо до Джоконды, художник в своём становлении, неутомимый экспериментатор.
В объективе Фила Грабски оказалась не только сама выставка, завораживающая на киноэкране своей красотой, но и музейная кухня: реставрация работ, почти детективная история с покупкой на итальянском аукционе старинной рамы для «Мадонны в скалах» и даже развеска картин — утомительный, но захватывающий процесс, завершающий долгие годы подготовки выставки такого уровня. Не попала в фильм разве что длинная очередь, выстроившаяся после открытия на Трафальгарской площади, — всего за три месяца выставку успели посмотреть 323 897 человек. Фильм Фила Грабски станет возможностью перенестись во времени и увидеть своими глазами легендарную выставку произведений Леонардо да Винчи, великого художника, истинного человека Ренессанса, человека-эпохи.
Винсент Ван Гог. Новый взгляд
В конце жизни, запершись в самом дешёвом номере отеля захолустного Овер-сюр-Уаз, Винсент Ван Гог писал брату Тео, что он неудачник, что он провалился как художник. Пройдёт совсем немного времени, и гениальный безумец станет иконой нового поколения художников. Сейчас почти два миллиона человек посещают каждый год музей Ван Гога в Амстердаме. Каждый находит там что-то своё: «Цветущий миндаль» или «Жёлтый дом» в Арле, «Подсолнухи» или один из двенадцати автопортретов. Кураторы говорят, что так сбылась мечта Ван Гога, больше всего на свете хотевшего достучаться до зрителя, тронуть и утешить его своим искусством. Вслед за амстердамским музеем создатели фильма «Винсент Ван Гог. Новый взгляд» устремляются на поиски человека, стоящего за шедеврами, породившего множество мифов и не оставившего ни одного из тех, кто видел его картины, равнодушным.Съёмки фильма проходили в в Арле и Овер-сюр-Уаз во Франции, и, конечно, в музее Ван Гога в Амстердаме. Этот музей появился благодаря брату художника Теодору или Тео, как называли его родные. Он не только поддерживал Винсента финансово и бесперебойно снабжал красками и холстами, но и получил в наследство его картины и организовал первую персональную выставку Ван Гога в Париже. Его сын Винсент Виллем задумался о создании государственного музея Ван Гога, который открыл свои двери в Амстердаме 1973 году. С тех пор музей популярен не только среди ценителей живописи, но и похитителей произведений искусства. Недаром там произошли две крупные кражи картин. В 1991 году 20 картин (среди них знаменитые «Едоки картофеля») были украдены и вынесены за пределы музея, но через 35 минут обнаружены в припаркованной машине. В 2002 году история повторилась, уже с другим исходом. Две картины Ван Гога — «Вид на море у Схевенингена» и «Выход из протестанской церкви в Нюэнене» — были похищены и найдены только в 2016 году. Судьбе музея, перипетиям творческого пути и живописным открытиям одного из самых известных художников в истории посвящён документальный фильм «Винсент Ван Гог. Новый взгляд».
Мунк 150
В начале 1890х годов норвежский художник-символист Эдвард Мунк много путешествовал между Францией, Германией и Норвегией. «Я почувствовал, как страшный крик рождается внутри меня», — написал он однажды. Так появилась знаменитая картина «Крик» — произведение-символ, образ, который возвращает нас к сущности жизни. Мы кричим, когда рождаемся и умираем, когда переживаем боль и страх, гнев и счастье. Эдвард Мунк часто пользовался простыми образами, но задавал в своих картинах больше вопросов, чем находил ответов. Ответы на эти вопросы искали создатели сначала выставки, а затем и фильма «Мунк 150».Когда кураторы Музея Мунка и норвежского Национального музея искусства, архитектуры и дизайна собирали эту выставку, они поставили амбициозную задачу показать творчество Мунка — не только автора знаменитого «Крика», но художника, чья творческая манера менялась со временем, который прожил долгую жизнь и говорил своими работами о любви и смерти. Главным своим произведением он сам считал «Фриз жизни»: 22 картины, без рам, на простом белом холсте, они рассказывают о рождении любви и её закате, страхе и смерти. Впервые с 1903 года, когда Мунк показал эти работы в Берлине, они оказались собраны вместе на выставке «Мунк 150» в Осло, которую режиссёр Фил Грабски превратил в фильм-выставку.
Фильм «Мунк 150» — это история непростого творческого пути, полного отчуждения и боли. Когда в 1886 году норвежский экспрессионист, изображая больную чахоткой девушку, расцарапал краску и написал почти что белое на белом — бледное лицо на светлой подушке, критики сочли его сумасшедшим. Мунк показал тогда историю своих страданий. Его близкие — сначала мать и сестра, а потом и отец — уходили один за одним, и Эдвард, который считал себя в той же мере писателем, сколь и художником, оставил запись в дневнике: «Я вижу лицо моего собственного призрака». Его призрак появится на картине позже, в 1893 году, когда он создаст свой знаменитый «Крик» — символ мучительности бытия, которую он так остро переживал всю свою жизнь. Живописец и писатель, экспрессионист и один из самых необычных художников рубежа веков — в объективе Фила Грабски в фильме-выставке «Мунк 150».
Микеланджело: Любовь и смерть
В 1501 году Микеланджело Буонарроти мчится из Рима во Флоренцию и там, запершись ото всех, совершенно один и без единого помощника днём и ночью работает над испорченным в предшествующем столетии куском мрамора. Работает с одной целью — создать произведение, которое сделает его величайшим из скульпторов, живших на Земле. Так появился «Давид» — манифест гуманизма и искусства Возрождения, самое известное и доныне произведение Микеланджело.Новый фильм Дэвида Бикерстаффа и Фила Грабски «Микеланджело: Любовь и смерть» — это путешествие вглубь веков, в то время, когда архитекторы, скульпторы и живописцы впервые перестали быть ремесленниками и стали художниками. Когда восхищение Античностью совмещалось с христианскими сюжетами, а Флоренция расцвела при Медичи. Именно тогда Микеланджело удалось выразить всю свою эмоциональность и инстинктивное умение отсекать от каррарского мрамора только лишнее и создать «Давида», «Моисея» и надгробия Лоренцо и Джулиано Медичи.
Архитектор и поэт, скульптор и живописец, Микеланджело на все времена останется в памяти людей творцом, который расширял границы возможного и находил всё новые и новые формулы, которые художники не устают повторять и по сей день. Создатели фильма «Микеланджело: Любовь и смерть» отправляются вслед за гением эпохи Возрождения из Ареццо во Флоренцию и Рим, чтобы увидеть истоки всесокрушающего таланта Микеланджело, апогей его творческого расцвета и конец пути, своеобразным итогом которого стала Пьета Бандини, в которой в тени капюшона Никодима скрывается автопортрет мастера.
Материалы о фильмах-выставках предоставлены арт-объединением CoolConnections.
Заглавная иллюстрация: кадр из фильма «Девушка с жемчужной сережкой».
Заглавная иллюстрация: кадр из фильма «Девушка с жемчужной сережкой».
