Регистрация
1405
Современные художники: посмотрите, что мы нашли!
349 участников 69 тем Администратор: Наталья Кандаурова
            
            
«Современные авторы, чьи работы вызывают желание хлопать в ладоши от восторга, а не пожимать плечами в недоумении.»
Написать пост
Обсуждения
Работы 
Художники 
49ART начинает новый онлайн-проект - открытый арт-рейтинг современных российских художников МНЕ НРАВИТСЯ. В рейтинг войдут авторы не старше 37 лет, выбранные участниками открытого клуба 49ART, куда может войти любой желающий.

Открытый рейтинг современных российских художников МНЕ НРАВИТСЯ направлен на привлечение внимания широкой аудитории к молодым авторам. Главной особенностью рейтинга является возможность вовлечения в его создание каждого, кому интересно современное искусство и кто хочет расширить свои знания о российском арт-пространстве и представляющих его художниках.

Процедура рейтингования осуществляется в два этапа: на первом этапе голосующие могут предлагать своих кандидатов для участия в рейтинге, на втором они выбирают наиболее понравившихся им художников из списка, в котором будут авторы, получившие наибольшее число голосов во время первого этапа голосования.

Первый этап голосования проходит с 1 августа по 25 сентября, второй – со 2 по 31 октября. Результаты рейтинга будут опубликованы в ноябре на сайте проекта 49ART.

В итоговый рейтинг войдут 37 художников, работающих в техниках живописи, графики, скульптуры, инсталляции, фотографии, видеоарта, перформанса и других направлениях современного искусства.

Чтобы принять участии в рейтинговании, нужно зарегистрироваться в клубе 49ART (www.49art.ru/club). Участником клуба может стать любой желающий старше 18 лет, интересующийся современным искусством.
Читать далее
Недавно приобрел картину. Когда увидел,купил без раздумья, настолько сильно она меня впечатлила. Картина написана в 2005 году в Новосибирске  молодой художницей. Хотелось бы услышать мнение сообщества о картине.Спасибо всем, кто выразит свое мнение.
Читать далее

Мне не хотелось бы много говорить об одном из лучших красноярских художников ИВАНЕ ДАНИЛОВЕ.

ОН   скажет  всё САМ своими  работами.


        Это  крохотная часть  его  творчества.  Небольшие  работы  для  небольших  квартир.
        А за   свою  жизнь  он  написал  более 5000  живописных  полотен  в  различных  жанрах  и  стилистике.
        Сейчас  его  работы  можно  увидеть  в  МУЗЕЯХ  и  ЧАСТНЫХ  КОЛЛЕКЦИЯХ  всего  мира.
        Но  самое  главное,  сегодня  Иван ДАНИЛОВ  полон  сил  и  продолжает  творить. В  2016  году  прошла  его  выставка  в  МУЗЕЕ  РУССКОГО  ИСКУССТВА  города  ХАРБИНА (КНР). На  ней  он  представил  около  250  своих  новых  работ.
         Сейчас  он  готовит  большую  выставку  в  г. ПЕКИНЕ ( КНР).


                                                                                                                 А. Спасский.
Читать далее





Милт Кобаяши (Milt Kobayashi) – современный американский художник японского происхождения, американец в третьем поколении. Его удивительные картины созданы в стиле французского постимпрессионизма, где важны яркие цвета и умение выразительно показать гамму чувств, передать настроение. «Последователь Тулуз-ЛотрекаДега и Ван Гога» - так нередко пишут о нем в блогах (удивительно, что в рунете не вспоминают и Николая Фешина). Впрочем, сам художник наверняка с этим бы поспорил.



Мастер родился в Нью-Йорке, потом проживал с семьёй в Оаху (на Гавайских остовах), а, когда Милту было 8 лет, семья переехала в Лос-Анджелес. Милт Кобаяши получил степень бакалавра в 1970 году в Калифорнийском университете (Лос - Анджелес) и начал работать как художник-иллюстратор.



Когда художник вернулся в Нью-Йорк, случай помог ему навсегда изменить своё художественное видение. Случилось это после посещения музея Метрополитен, где Кобаяши потрясли портреты Веласкеса, простота и мощность мазка великого живописца. Плюс ко всему, Милту помогло найти собственный стиль изучение работ Климта, Шиле, Тулуз-Лотрека.



Кобаяши сумел синтезировать совершенное мастерство дизайна с сентиментальной, неподдельной демонстрацией интереса к людям, их страстям и переживаниям. Его творчество сформировалось на пересечении течений двух великих культур: эстетика западного искусства причудливо переплетается в картинах Кобаяши с японским чувствованием цвета и пространственной композиции.


Ночные сцены из жизни городских кафе и баров доминировали в картинах художника в 90-е годы. Далее, в портретах модисток тонкости в изображении ткани и аксессуаров исчезают: мастер начинает сильнее чувствовать чистый цвет. Красный или зеленый фон, активное использование черного фокусируют внимание на атмосфере пространства, интригующего отсутствием мелких деталей и наполненного магнетизмом.
Он экспериментирует с изображением лиц в портретах девушек, добиваясь нужной пластической выразительности с помощью цвета и сочного мазка.



Предоставим слово и арт-критикам: «Изображения женщин и мужчин, в одиночку и группами, кажутся капризными и вызывающими воспоминаниями о борьбе с ночными страхами и внутренними демонами. Мятая одежда, румяные лица и грязные волосы делают персонажей Кобаяши похожими на людей богемы. Его интимные изображения - это личные воспоминания или то, чему он был свидетелем на городских улицах, в кино и в музеях...».




Художник проводит мастер-классы, и призывает студентов, даже изображая конкретную сцену или модель, «не обязательно писать точно то, что видишь». Однако знания не помешают: мастер рекомендует книги по анатомии современного автора Джорджа Б. Брайтмана (George B. Bridgman): больше внимания скелету, меньше – мускулам. «Именно так я создаю работы».


И, похоже, в настоящее время художнику близки идеи абстрактных экспрессионистов 60-х, которые отрешились от конкретики моделей и тем. «Рисуйте так, как картина должна выглядеть согласно вашему мнению».

Подготовил Александр Шапран

Читать далее

Гари Бант (Gary Bunt) родился в Великобритании в графстве Кент в 1957 году. Судьба этого одарённого художника была удивительной и неожиданной. С раннего детства Гари проявлял интерес не только к живописи, но и, как миллионы его сверстников того времени, к музыке, что отложило отпечаток на его дальнейший путь в искусстве. В связи с этим он поначалу отверг предложение поступить в художественный колледж. Вместо этого Гари Бант выбрал карьеру профессионального музыканта. К 30 годам он уже был вполне успешным гитаристом, но не находя удовлетворения на этом поприще, вдруг решил бросить занятия музыкой для того, чтобы посвятить себя живописи.

Вообще, на жизненном пути Гари повороты судьбы бывали весьма драматичны. Так, в 2001 году у него диагностировали рак, но несмотря на это, он продолжал одновременно бороться с этим страшным недугом и рисовать. А свою живопись он начал использовать, как способ помочь другим людям с аналогичными проблемами. Гари удалось побороть рак, но художник продолжил работать с пациентами, чтобы на практике показать, как арт-терапия может способствовать их выздоровлению.
Что касается тематики работ Гари, следует отметить, что они являются результатом его личных воспоминаний и впечатлений. На первый взгляд, простые и жизненные сюжеты его работ предлагают зрителям увидеть всю красоту, открытость и радость каждодневной жизни в разных ее проявлениях. Картины Гари Банта неизменно наполнены английским тонким юмором и пронизаны лёгкой грустью. Иногда создаётся впечатление, что картины мастера написаны с точки зрения ребенка. Его работы
наивны и невероятно обаятельны - эдакие отголоски творчества Анри Руссо с британским акцентом.
«Я очень религиозен. Одинокие фигуры происходят из трудностей, которые были в моей жизни», - говорит про своё творчество Гари Бант. Можно сказать, что на холсте он пишет маленькие рассказы из своего детства. Там мы встречаем его дедушку, маму и папу, видим места, знаковые для его жизни – например, то, где он сделал предложение руки и сердца своей будущей жене… А еще Гари сопровождает свои работы остроумными стихами.

Художник по-настоящему одержим своим творчеством и планами на будущее. "У меня всегда много планов. Не проходит и дня, чтобы я не читал о живописи. Я делаю заметки все время: у меня есть записная книжка, где уже более 50 идей для моей следующей выставки, я всегда ищу новые идеи".
Работы Гари Банта завоевали немало премий, они, в основном, выставляются в галереях (ближайшее событие запланировано на декабрь 2017-го – в Portland Gallery будут представлены новые работы), и находят своих поклонников не только на интернет-просторах, но также среди библиофилов. Книга с иллюстрациями и стихотворениями вышла в 2016 году. Пожелаем художнику и музыканту воплотить в жизнь все свои новые задумки и мечты.
P.S. Кстати, герой картин художника - вовсе не его точная внешняя копия. Сам Гари Бант просто невероятно похож на вокалиста культовой британской прог-рок группы IQ - Питера Николса (Peter Nichols), так что некоторые лиричные композиции этой группы очень хорошо сочетаются с просмотром работ художника под его стихи-комментарии.

Подготовил Александр Шапран

Читать далее
Поля, двери-окна, занавески, а также девушки, включенные в пейзажи и интерьеры – знакомые мотивы великого мастера Эндрю Уайетта и его сына, также художника Джейми Уайетта! Без Эдварда Хоппера дело тоже не обошлось… Но на этот раз "все готично": таковы сюжеты и живописная манера героини этого материала. Андреа Коуч (Andrea Kowch) – современная американская художница.

Работы молодой представительницы «new generation» (нового поколения) очень популярны не только на страницах соцсетей: профессиональные награды и позиции в рейтингах говорят и о более "строгом" признании ее заслуг. Что ж, кому-то приятно узнавать цитаты великих мастеров в ее творчестве, а кому-то – через ее работы открывать для себя новые горизонты, восполняя пробелы в образовании.
Андреа Коуч родилась в 1986 году в Мичигане. Художественному мастерству обучалась в College for Creative Studies (Колледж творческих исследований), закончила в 2005 г. National Foundation for Advancement in the Arts и вошла в число самых выдающихся молодых талантов США.
При этом многому сумела научиться сама, пристально изучая работы художников эпохи Возрождения и американских мастеров, которые и оказали на нее наибольшее влияние. Американский фентези-реализм? Пожалуй. Сама Андреа, рассказывая про свои картины, объясняет, что их сюжеты базируются на ее собственной фантазии и жизненных воспоминаниях. Развивая и обдумывая идеи, дальше она изображает их на полотнах через определённые аллегории. Ее работам присуще некое особое настроение, в этом «магическом реализме» зрители находят что-то близкое собственным фантазиям.
"Вдохновение и сюжеты картин приходят ко мне от собственных эмоций и жизненных событий, которые превращаются в рассказ, в аллегорические образы, иллюстрирующие параллели между знанием окружающего нас мира и его тайнами. Одинокий пустынный американский пейзаж, присутствующий на картинах, служит рассуждением о святости природы и отражением человеческой души, символизируя все вещи: и сильные, и хрупкие, и вечные.
Реалистичные, и, тем не менее, сказочные сюжеты, которые я создаю, служат метафорами легко понятными, но сохраняют ощущение неопределенности, потому что я хочу подвигнуть зрителей сформировать свои собственные заключения, несмотря на то, что (в моих работах) всегда будет присутствовать моя собственная главная идея.
Будучи людьми, мы все идём в общем направлении, активно участвуя в преобразовании современного мира, и цель моей работы состоит в том, чтобы напоминать о тех местах, которые уже больше не существуют, и признать их частью нашей истории, которую необходимо сохранять".

Коуч пробует себя ещё и как иллюстратор книг, и на этом поприще она исследует различные техники исполнения. Тем не менее, любимыми материалами для художницы остаются холст, масло и акрил.
На сегодняшний день Андреа Коуч включена в один из рейтингов "топ-100 лучших молодых художников мира". Её картины с успехом выставляются по всей Америке и Канаде. Кроме этого, работы Андреи были представлены в многочисленных профильных изданиях, таких, как журнаы CMYK и Спектре (Spectrum). Коуч участвовала во многих выставках и стала победительницей различных региональных, национальных и международных конкурсов.
Итак, представляем Вашему вниманию тревожный мир полотен Андреи Коуч, наполненный ее характерными, запоминающимися образами: сельские виды, печальные невесты, грустные сестры, вороны, огонь, и отражения северных суеверий и сверхъестественных сил.

Подготовил Александр Шапран
Читать далее

Сергей Викторович Римашевский – современный белорусский художник, родился 19 февраля 1964г в г. Гродно (Беларусь). От старых мастеров и символистов рубежа прошлых веков до фентези и гиперреализма – таков спектр жанров и стилей, которые находят отражение в его творчестве. Но главенствуют, конечно же,  характерные для работ этого художника образы и его собственная, узнаваемая живописная манера.




Его работы, выполненные в технике масляной живописи, раскрывают внутренний, «параллельный» мир человека через образ ребёнка. Автор словно приглашает зрителя совершить путешествие в сокровенный мир человеческих переживаний, где знакомые всем с детства эмоции, глубоко спрятанные в подсознании современного человека, выходят на поверхность – не без помощи продуманного композиционного и живописного строя картины. Впрочем, работы мастера, при всей своей таинственности и недосказанности, создавались на основе реальных жизненных впечатлений. Встречаем и цитаты известных мастеров и их работ: Сергей Римашевский участвовал в проекте «Диалог эпох. Интерпретации» – как не вспомнить Вермеера, Веласкеса, Брейгеля, Гойю, Магритта, Серебрякову - ее «Карточный домик»?..

В целом подача сюжетов Сергеем Римашевским, объекты которых складываются в наполненный символами подтекст, - дают стимул для игры воображения зрителей: эдакие «игры разума» в арт-пространстве. Ну а сильная, мастерская подача говорит о профессиональном опыте и чутье автора, который нашел собственный характерный стиль и преподносит публике свои наблюдения, мысли через весьма любопытную галерею образов.

Художник начинал свое обучение художественному мастерству в художественном Минском училище им. А. К. Глебова. С 1986 по 1991 годы продолжил учёбу в Белорусской академии искусств на монументально-декоративном отделении. После окончания академии долгое время работал над церковными фресками в Польше. С 1996 года является членом Белорусского союза художников. На счету Сергея Римашевского – многочисленные выставки в Беларуси (отметим персональную экспозицию в Национальном художественном музее Республики Беларусь), России, Нидерландах, Германии, США, Польше. Работы мастера находятся в собрании Национального художественного музея Республики Беларусь, Музея современного изобразительного искусства, а также в частных коллекциях ценителей искусства разных стран.

Новые работы, участие в выставках, текущие проекты - обо всем можно узнавать на персональной страничке художника в фейсбуке

Подготовил Александр Шапран


 

Читать далее

Лешек Костуй (Leszek Kostuj) - польский художник. В творчестве он сделал акцент на создании и развитии собственного оригинального мира, населенного уникальными персонажами. Итоги очевидны: встретив работы мастера один раз – с ходу узнаешь руку автора «глазастого царства» при следующей встрече.

Будущий художник родился в провинциальном городке Плешев в 1973 году, в его багаже – успешная учеба в Познани на художественном факультете университета имени Адама Мицкевича. Начинал Костуй с небольших реалистичных рисунков, после чего продолжил писать совершенно иные картины. В настоящее время посвятил себя работе в ключе сюрреализма, граничащего с аллюзивной абстракцией. Сам автор считает, что его искусство находится в постоянном изменении, ибо сам он – все еще в поисках оптимальной формы «художественной коммуникации».

Мастер занимается живописью, графикой (традиционной и компьютерной). Отдаёт предпочтение акриловым и масляным краскам. Костуй никогда не знает конечного результата своих работ, когда берётся за кисти. Про свои сюжеты сам он говорит так: «Только тогда, когда на поверхности картины возникают пятна и линии, а цвета начинают сливаться, воображение будит и дает импульс для дальнейшего художественной реализации. На этом этапе создания начинают появляться именно идеи, видение и концепции - все то, что так необходимо для создания произведения, которое является осуществлением моих художественных и эстетических потребностей».

Если кто-то увлекается музыкой, в частности прогрессивным роком (а вдруг!?), то увидит его сказочных персонажей на обложках некоторых общеизвестных (для фанатов прогрессива) групп. Например, один из родоначальников и лидеров польского прога – группа Коллаж (Collage), не прошел мимо работ земляка. Если продолжить список групп, альбомы которых он оформлял, то можно отметить Padre, Soner Canozer, Christiaan Bruin, Bill Roundtree, Jakub Pokorski, Loonypark, Warren Oneill.

«Недостаток» у его работ лишь один: «глазастики» Костуя слишком узнаваемы и оригинальны, так что, взяв в руки музыкальный альбом одной группы, можно спутать его с другим… Впрочем, создатели «тонких материй», наверняка, знакомы с этим «побочным эффектом» картин мастера. Главное - его работы созвучны их мыслям.

Новые картины и этапы их создания художник представляет на своей странице в фейсбуке.

Подготовил Александр Шапран
















Читать далее
Куб искренне удивлен глядя на шар. Что этот круглый делает в моем квадратном мире? Исключительно силой взгляда, куб пытается превратить шар в равного себе. От напряжения лопнуло стекло, но все, что удалось изменить на шаре это блик он квадратный.
Читать далее
Олег Белый, 30 декабря 2016 • Комментарии  

Иштван (во Франции известный как Этьен) Шандорфи (венг. Istvаn Sаndorfi) - венгерский живописец-гиперреалист. Мастер покинул этот мир почти десятилетие тому, а в 2016 году работы художника снова стали активно появляться на виду у публики. Осенью 140 картин Иштвана Шандорфи показывали в Барселоне (Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona) - посмотрите видеоролик выставки, оцените волнующие моменты. В экспозиции разместили также скульптуры и множество личных вещей художника – от рисовальных принадлежностей до фотопроектора, который он использовал для работы. Организаторы выставки особо отмечают, что стоит чаще вспоминать и выставлять работы недавно ушедших мастеров: парадоксально то, как успешный, известный и оригинальный художник, который часто выставлялся при жизни, оказался не в ротации на арт-рынке в наши дни. Конечно, личность, которая творит историю «здесь и сейчас», имеет наибольшее значение для современного искусства. Однако и работы сами по себе – очень стоящие.

Художник родился в Будапеште 12 июня 1948 года, а покинул этот мир в 2007 году в Париже. В 1956 году из-за коммунистических репрессий его семья эмигрировала сначала в Западную Германию, а затем во Францию. Политические события оставили глубокий и неприятный след в душе юного Иштвана. Уйти от тяжких воспоминаний ему помогло рисование. С 12 лет он уже начал рисовать масляными красками и так увлёкся этим занятием, что живопись стала его главной страстью - даже в ущерб обучению.
Свою первую персональную выставку юный Шандорфи провёл в 17 лет, учась в средней школе. Состоялась она в небольшой галерее в Париже. Его вторая выставка в 1966 стала решающей для выбора «дела жизни», а также способа воплощать свое видение реальности: Иштван сосредоточился исключительно на живописи.
Надо сказать, что первое время удача и коммерческий успех отвернулись от молодого художника, поэтому его отец решил устроить Иштвана сначала в Школу изящных искусств, а затем и в Школу декоративных искусств. Это дало ему новые возможности: более престижный статус, чем просто «свободный художник - самоучка», а также финансовую независимость - у Иштвана появились заказы.
Первый весомый успех и признание к Иштвану Шандорфи пришли в 1973 году, когда он провёл большую выставку в Музее современного искусства в Париже. После этого последовали приглашения устраивать экспозиции в престижных выставочных залах Франции, Германии, Бельгии и США.
На протяжении пятнадцати лет Иштван написал ряд крупномасштабных автопортретов, которые выглядели театрально и довольно агрессивно. Из-за них художник обзавелся неоднозначной репутацией «художника, который рисует, как убийца». Реального успеха у публики и критиков Шандорфи удалось достичь лишь с 1988 года, когда художник сумел переломить себя и отойти от создания слишком провокационных изображений. В то же время он сконцентрировался на совершенстве своей техники, и именно это в дальнейшем дало свои плоды.
Работы художника охотно выставяли галереи Парижа, не остались равнодушными и зрители в Брюсселе, Копенгагене, Нью-Йорке, и, в последние годы жизни мастера, родного Будапешта. Его коммерческие интересы в разные периоды эксклюзивно представляли различные галереи (сотрудничество всегда было многолетним), участвовал Иштван Шандорфи в Armory Show (1988). «Вопиющий гиперреализм» художника мог шокировать, волновать, удивлять, и, порой – отталкивать. Художник всегда привносил свое видение эмоционального поля. Жесты, позы, выражения лиц… Даже простые предметы на его натюрмортах, такие, как бутылки и фрукты, выступая из эфемерности красочного тумана, тревожат зрителей.
Добавим пару интересных фактов из творческой жизни мастера.
Будучи изначально художником-самоучкой, Шандорфи с детства не доверял тому, чему и как учат в учебных классах, поэтому оставался верным только своим личным вкусам и убеждениям. Работать он предпочитал ночью, но каждый день ложится спать позже, чем за день до этого, в связи с чем жил по, фактически, вечно отстающему времени, что в свою очередь практически изолировало его от какой-либо социальной среды. Иштвану Шандорфи удалось, однако, не отгородиться от семьи, а преподнести эту свою позицию и семейному кругу (в частности, двум своим дочерям - Анж и Еве, которых часто можно увидеть на работах мастера). Может быть, такой ритм и распорядок жизни стирал его личную границу в ощущениях «дня-ночи-света-тени»? На творчестве это, очевидно, отразилось.
Умер Иштван Шандорфи после непродолжительной болезни 26 декабря 2007 года. Согласно завещанию, похоронен в Будапеште.

Подготовил Александр Шапран

Читать далее
Ольга Потехина, 24 декабря 2016 • Комментарии  
Показать еще обсуждения
HELP