Регистрация
#неделя японского искусства
  Японское искусство: тематическая неделя в Артхиве
755
Выставки в галереях искусств
166 участников 51 тема Администратор: Людмила Куликова
            
            
«Сообщество для представителей творческих профессий - тех, кто умеет видеть и создавать.Делитесь впечатлениями, информацией, публикуйте рецензии на выставки.»
Обсуждения
Проект Первой международной Antarctic Biennale, которая пройдёт в марте 2017 года под патронажем ЮНЕСКО, уже представлен широкой публике. Мероприятие прошло в Государственном музее изящных искусств им. Пушкина.


Проект Antarctic Biennale основан художником Александром Пономарёвым. Идея провести самую необычную биеннале в истории родилась у художника более 10 лет назад во время его первых экспедиций в Антарктиду. Теперь, благодаря всесторонней поддержке друзей, соратников и партнёров проекта, авторский замысел обретает реальные черты. И уже 17 марта 2017 года, на борту научно-исследовательского судна «Академик Сергей Вавилов», около ста человек со всего мира – художники, архитекторы, исследователи, писатели, философы - отправляются в творческое плавание к берегам самого южного континента Земли. 
Директор ГМИИ им.Пушкина Марина Лошак на презентации Antarctic Biennale

На время путешествия борт флагмана Российского научного флота превратится в пространство чистого искусства, безграничной творческой свободы. Реализация художественных проектов запланирована во время высадок на ледяных берегах континента, в океанических водах, воздушном пространстве Антарктиды, а также на борту корабля. В программе биеннале – исследовательские сессии, поэтические и философские дискуссии, видео-арт программа.
Автор проекта Antarctic Biennale художник Александр Пономарёв

Проекты I Antarctic Biennale будут создавать художники из Японии, Германии, Китая, Аргентины, Испании, Марокко, Великобритании и других стран. Среди главных условий реализации объектов на Белом континенте не только художественная ценность, но и строгое соблюдение экологических требований к осуществлению деятельности в Антарктике. От России в Биеннале примет участие победитель Премии Кандинского 2016 Андрей Кузькин, который на вечере в ГМИИ продемонстрировал свой знаменитый перфоманс с превращением обыденных бытовых предметов в произведения искусства.


Результаты экспедиции, как пояснила собравшимся директор Antarctic Biennale Анна Швец, объекты, созданные в области Южного полярного круга, а также фото- и видеодокументации этого путешествия – будут впервые представлены в Павильоне Антарктиды во время 57-й Венецианской биеннале современного искусства в мае текущего года.


В экспозицию групповой выставки войдут как работы, выполненные участниками плавания, так и проекты финалистов международного конкурса молодых художников Antarctic Biennale, результаты которого были объявлены во время проведения ярмарки современного искусства Art Basel Miami Beach 2016. По
итогам путешествия планируется выпуск ряда документальных фильмов, телевизионных художественных программ, издание иллюстрированных книг и фотоальбомов. Художественные произведения, созданные во льдах Антарктиды, будут экспонироваться на ведущих выставочных площадках и в музеях мира.

Подготовлено по материалам antarcticbiennale.com
Читать далее
Скандально известный музыкант Сергей Шнуров в 2007 году ввел в обиход новое понятие - брендреализм. По мнению певца и художника, брендреализм — направление в искусстве, предметом которого являются не реальные объекты, а структура реальности, в которой они находятся. Нынешняя ретроспектива Шнурова в "Эрарте" отмечает десятилетие этого направления.

Брендреализм выбирает критическое отношение и к искусству, и к бренд-маркам как таковым, порожденным реалиями рекламных технологий. Сложившиеся сегодня упрощенные общественные клише он критикует как несостоятельные.

Согласно постулатам брендреализма, человек XXI века окружен не чистыми явлениями, а лишь продуктами-брендами, сгенерированными искусственно. Он одевается в бренды, питается брендами, передвигается на брендах. Сам того не замечая, он выбирает их объектами своего поклонения. Последняя модель модной марки становится предметом эмоционального вожделения, как священная книга или внеземной сан, а сами эмоции давно утратили непосредственность.

Как считает Сергей Шнуров, жизнь перестала быть экзистенциальной проблемой. Сегодняшний человек идентифицирует с брендами не только успешность и благосостояние, но и все основные устремления своей жизни. Выбирая в начале жизни между «Кока-колой» и «Пепси-колой», а в конце между «Роллс-Ройсом» и «Бентли», человек блуждает в зеркальном лабиринте, принимая искаженные отражения за реальность. Бог не выйдет из бутика!

Брендреализм борется с рассеянностью сознания. Искусство брендреализма не должно быть красивым; не должно нести ни добра, ни зла; не обязано быть парадоксальным; не претендует на изысканную ироничность. Оно свободно как природа и созидающий человеческий дух, для которого заранее смешон любой надутый серьезностью постулат, а нечто, кажущееся полной чушью, вдруг может быть осмыслено как до предела серьезное.

Сергей Шнуров признает, что далеко не все из множества созданных им за последнее десятилетие инсталляций он сделал собственноручно. У певца есть трое помощников, которые участвуют в воплощениях идей своего "звездного" идеолога. Можно сказать, что живопись Шнурова — это очередной его проект, и довольно успешный.

Выставка Сергея Шнурова "Ретроспектива брендреализма" в музее "Эрарта"
работает до 9 апреля 2017 года

При подготовке использованы материалы и фото музея "Эрарта".
Читать далее
До 26 февраля 2017 года в московской галерее "Арка" проходит выставка Люси Вороновой «Зимний сад».  

При всех аналогиях, сравнениях и сопоставлениях работ Люси Вороновой с наследием знаменитых «классиков» (от Сезанна до Руссо и Пиросмани), ее картины отражают собственную точку зрения художницы. Она осознанно сформировала свой стиль, которому следует многие годы, и, как итог - ее яркие, узнаваемые работы стали популярны, причем не только в среде ценителей современного искусства и коллекционеров. Критики также благосклонны к ее творчеству: рядом с именем Люси Вороновой нередко увидишь фразы вроде «художник первого ряда», «уникальное явление». А то и просто: «Люся пишет праздник».

Несмотря на то, что работы Люси Вороновой можно назвать наивным искусством, она отнюдь не самоучка: ее творчество выстроено на крепкой технической базе и профессиональном художественном образовании.
Люся (Людмила Владимировна) Воронова родилась в Москве 15 декабря 1953 года. В 1969-70 гг училась в ЗНУИ, мастерская Бориса Отарова. 1971-72гг - занятия в художественной студии Нугзара Мгалоблишвили. 1972-78гг - учёба на художественном факультете МТИ.

Художница участвует в выставках с 1978 года, на ее счету - более 50 персональных выставок. В 2013 году стала почетным членом Российской Академии художеств.

Работы художницы представлены в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Музее современного искусства (Москва), в региональных музеях России, а также в европейских, американских и китайских музейных коллекциях, престижных частных собраниях.
Читать далее
10 февраля 2017 в киевском Музее Леси Украинки (Саксаганского, 97) откроется выставка работ художников, которые принимали участие в работе над кинолентой "LovingVincent". Это первая в мире анимационная кинолента хронометражем 88 минут и стоимостью 5 млн евро, посвященная художнику.

"С любовью, Винсент" - далеко не первый фильм о Ван Гоге, однако это действительно первая анимационная лента, где все кадры были нарисованы художниками: заявки были поданы 5000 людьми, а "прошел" конкурсный отбор каждый 45 претендент. Над фильмом работали 115 художников из 18 стран, в том числе 13 художников из Украины. В проекте, который развернется в Музее Леси Украинки, будут представлены творческие работы, которые посвящены теме картины "С любовью, Винсент", однако не являются кадрами из фильма. 

Посетители увидят работы художников Анастасии Бонишко, Виталия Мурина, Екатерины Очередько, Татьяны Очередько, Марины Савченко, Марии Шепеленко, Елены Горголь, Светланы Гаврищук, Юлии Решетник, Ярослава Свирняка, Александра Башинского. Кропотливо, кадр за кадром, современные мастера воссоздали два мира, в которых жил автор этих холстов: реальность и живопись. 

Подробно о фильме "С любовью, Винсент" читайте в нашем большом обзоре, посвященном этой анимационной ленте.

Всего же украинцы создали более 9000 кадров из 65000 - это 13 минут экранного времени. В основу разработок кадров фильма брали оригинальные изображения картин Винсента Ван Гога: интерьеры, персонажи, локации. Как результат – 94 авторских, но очень близких по стилистике полотен Ван Гога, и 31 - в которых частично использован работы маэстро.

Открытие выставки "Поиск. Ван Гог. Реминисценция" - 10 февраля 2017 года, начало в 17:00.
Читать далее
Нынешней зимой петербуржцам и гостям Северной Пальмиры выпала уникальная возможность увидеть редко экспонируемые работы одного из крупнейших советских живописцев, Исаака Израилевича Бродского (1883-1939). В Музее-квартире художника на площади Искусств, 3, представлены как ранние акварели, написанные во время заграничных командировок во Францию и Италию, так и более поздние, проникновенные пейзажи, изображающие разные времена года, а также великолепные живописные и графические портреты. Мемориальные фотографии позволяют окунуться в атмосферу времен жизни и творчества мастера.

Исаак Бродский - блестящий профессионал, получивший образование в Петербургской Академии художеств. Один из лучших учеников великого Ильи Репина, он широко прославился портретами и картинами, изображающими вождей социализма.  В 1930-е годы Бродский возглавил Всероссийскую Академию художеств, последовательно и решительно добивался возрождения традиций старой Академии. Как педагог, он воспитал многих известных мастеров советского искусства. Художник создал несколько монументальных полотен, связанных с революционной историей страны, огромное количество заказных портретов партийной элиты и завоевал себе статус главного художника советской России.

Однако это далеко не главное в творчестве художника: Бродский является автором лирических пейзажей, отличающихся неповторимым «ажурным» стилем и тонкой музыкальностью, создателем многочисленных прекрасных портретов. В этом посетители выставки могут убедиться воочию. Работы из частных собраний выставляются очень редко; таким образом, выставка позволяет познакомиться с нехрестоматийной стороной творчества знаменитого мастера.

Выставка "Исаак Бродский. Живопись и графика из частных собраний"
организована галереей искусств KGallery  и будет открыта для публики
в Музее-квартире Исаака Бродского до 22 января 2017 года.


Читать далее
Выставка художественной Группы Восьми (Лестница), отмечающей свое творческое 40-летие, проходит в эти дни в Музее искусства Санкт-Петербурга XX—XXI веков. Составленная из произведений музейных собраний, частных коллекций Санкт-Петербурга и мастерских художников, экспозиция представляет искусство восьми авторов — очень разных по мировоззрению, стилистической манере, широте жанрового и эмоционального диапазона.

Группа сложилась в 1975 году, в период острого противостояния официального Союза художников, пропагандировавшего достижения социалистического реализма, и мастеров, которые составляли левый блок Ленинградского отделения Союза художников. Она объединила в своих рядах художников, работающих в разных видах искусства — (живописцев, графиков, скульпторов, мастеров декоративно-прикладного искусства), но близких друг другу по духу. 

В Группу Восьми, она же Лестница, вошли Семён Белый (1938-2010), Анатолий Громов (род.1941), Любовь Добашина (род.1943), Владимир Долгополов (1938-1999), Анатолий Заславский (род.1939), Николай Кошельков (1934-1995), Лев Ланец (1941-2004), Валерий Мишин (род.1939), а также керамист Григорий Капелян (вышел в 1977 году в связи с отъездом в США) и Александр Совлачков (вышел в 1981).

Соединяя в своем искусстве романтику оттепели с приемами авангарда, художники Группы Восьми сыграли ведущую роль в трансформации культурного пространства того времени. Богатый и разнообразный материал, представленный в экспозиционном пространстве музея, дает возможность не только познакомиться с историей развития группы, но и проследить ее творческое движение. Экспозиция позволяет зрителю прочувствовать художественную атмосферу жизни целой эпохи, изобразительную эстетику четырех сменяющих друг друга десятилетий.

Совместные выставки Группы Восьми всегда будоражили интерес публики, волновали воображение, наполняли воздух ощущением художественной свободы. Нынешняя - не исключение. Экспозиция Музее искусства Санкт-Петербурга XX—XXI веков работает до 11 декабря 2016 года.

Иллюстрации к материалу: 
Анатотлий Заславский, "Пять углов"
Анатолий Заславский, "Нечетная сторона БольшогоПроспекта". 2014
Валерий Мишин, "Джакомерон" 1993
Лев Ланец, "Двое". 1970

При подготовке использован пресс-релиз МИСП.
Читать далее
Музей искусства Санкт-Петербурга XX—XXI веков представляет масштабную ретроспективную выставку общества Колдовских Художников «Хроники Мультреализма», приуроченную к 50-летнему юбилею петербургского художника Николая Копейкина, одного из основателей группы и направления Мультреализм.

В рамках выставки зрители познакомятся с произведениями, созданными Колдовскими Художниками в течение 15 лет для таких нашумевших проектов, как «ЧМО – Человек, Магия, Общество», «ТАРАРАРЫ – Тюрьма, Армия, Ресторан», «ЛИБИДО – Ленинградский Институт Брака И Домашнего Очага», «ЛЕНЭНЕРБЭ – Ленинградское наследие предков». Завершающим аккордом выставки станет персональная экспозиция Николая Копейкина, состоящая из работ разных лет, часть из которых выставляется впервые.

Более 100 живописных работ, арт-объектов, инсталляций и плакатов представляют весь спектр творческой деятельности художественной «секты», в состав которой входя: Николай Копейкин, Вася Ложкин, Владимир Медведев, Андрей Кагадеев, Николай Васильев, Алексей Уваров, Кирилл Миллер, Михаил Гавричков, Михаил Рубцов, Андрей Люблинский.

«Колдовские Художники» развивают традиции "русской смеховой культуры". В средствах выражения они не следуют какому-либо классическому направлению в истории искусства, считая, что основная составляющая в творческом процессе – «что», а не «как». Занимаясь помимо изобразительного искусства музыкой, литературой, видео- и фотосъемкой, «Колдовские Художники» изобрели свой собственный язык, дав ему определение «Мультреализм». Их образы аллегоричны, наполнены иронией, а зачастую и сарказмом по отношению к окружающей реальности и человеку. Такой критический подход обусловлен основной сверхзадачей любого «Колдовского Художника» — не очаровать, а разочаровать зрителя, другими словами расколдовать его, заставить сломать привычный взгляд на окружающую действительность и самого себя, увидеть мир вокруг, лишенным шелухи иллюзий, в чистом, «божественно» волшебном свете.

Выставка «Хроники Мультреализма» в Музее искусства Санкт-Петербурга XX—XXI веков
работает до 11 декабря 2016 года.
Читать далее
Практически в самом начале своей творческой деятельности Стас Намин (Анастас Микоян), филолог и режиссер по образованию, ярко заявил о себе как музыкант, композитор и продюсер. Позже он стал известен также как художник и фотограф, режиссер и продюсер театра и кино, как создатель многих социальных проектов. Многогранному таланту одного из корифеев российского рок-движения посвящена экспозиция «Откровенно» (Insite Out), которая в эти дни проходит в Российской Академии художеств

Стас Намин - признанный фотограф, почетный член Российской академии художеств. Более пятнадцати лет он занимается живописью и графикой, используя смешанную технику, экспериментируя с современными компьютерными и другими технологиями. Работы художника экспонировались в разных отечественных и зарубежных музеях и галереях. За последние годы он создал целый ряд живописных циклов – серии портретов, серии, посвященные Армении, Италии. В своих живописных работах Стас Намин обращается к классическим жанрам – чаще всего к портрету, к обобщенным пейзажным и жанровым мотивам, отдавая предпочтение лаконичным композициям, являя образ как таковой, нередко придавая поверхностям своих полотен нарочито условный, почти декоративный характер.

В экспозиции представлены живописные и графические произведения, созданные на основе путешествий по разным странам мира. В создании портретов членов семьи – матери художника, деда, - Намин акцентирует тему домашней памяти. Основой для создания серии женских образов нередко становились старые архивные или же собственные авторские фотографии, но Намин пишет их так, как если бы работал с натуры, давая почувствовать ритм и процесс создания. К портретному циклу принадлежат и образы представителей трех религий, запечатленные в момент переживания религиозного озарения. 

По словам президента Российской академии художеств Зураба Церетели, выставка Стаса Намина «Откровенно» представляет еще одну грань таланта легендарного музыканта, ставшего кумиром миллионов. И для многих она станет откровением – ведь мало кто знает Намина как художника.

Подготовлено с использованием иллюстраций и материалов пресс-релиза РАХ.
Читать далее
Михаил Овчаренко, новый директор одной из первых столичных галерей  - галереи «Риджина», - призывает всех выбраться из серых домов, мастерских, офисов и раскрасить свои будни «Tutti Frutti» - дерзкой выставкой-миксом с участием всех художников галереи. Их имена витают в мировой арт-среде. Просто подключите свое воображение и вы сможете увидеть их воплощения!
Визуальная часть выставки отражает идею обновленной выставочной программы «Риджины»: «Tutti Frutti» представляет собой ассорти из ассоциаций, смыслов, из разных подходов к искусству и эстетике, которые воплощают художники галереи. «Риджина» стремится сделать из этого tutti frutti изысканный мультифруктовый коктейль из самых сочных плодов современных авторов, распробовав который зрители смогут разобраться во всех его нотках и послевкусиях.
Многое будет удивительно и в новинку - галерея делает акцент на образовании своего посетителя, поэтому совершенно не боится представлять глубокое и эксцентричное искусство, прибегать к необычным выставочным стратегиям.
Обновленная «Риджина» ассоциирует себя с садом, в котором фрукты спеют, наливаются соком и становятся вкуснее. Добро пожаловать! 

В экспозиции представлены работы художников галереи "Риджина", среди которых Сергей Братков, Иван Чуйков, Семен Файбисович, Олег Голосий, Алексей Калимма, Егор Кошелев, Влад Кульков, Анна Паркина, Павел Пепперштейн и другие яркие представители современного российского искусства. 

Выставка «Tutti Frutti» работает до 30 ноября 2016 года.
Читать далее
Успех Джабаха Кахадо в художественном мире начался с его дебюта на выставке «Moskva Raw» в 2008 году, и сегодня его называют «Фрэнсисом Бэконом фотографии». Галерея MSK Eastside представляет выставку известного московского фотохудожника Джабаха Кахадо "Современная мадонна"

Применяя в своем творчестве платиновую (палладиевую) печать 19 века, Джабах Кахадо добивается фирменных «потертостей» на изображениях, которые являются блестящим результатом сочетания фотографии, полиграфии, живописи и абстрактного символизма. Сам процесс, внедренный Вильямом Вилсом в 1876 году, был очень популярен в 19 веке и активно использовался группой фотографов, известных как “Pictorialists” («Фотохудожники»). В 60-х годах ХХ века американский фотограф Ирвин Пенн активно экспериментировал с этим методом для получения изысканных, насыщенных оттенков и богатых текстур. Фотограф Хёрст П. Хёрст также выбрал платиновую печать для большинства своих культовых изображений, чтобы значительно расширить ахроматическую палитру и добиться роскошной матовой поверхности снимков.

Платиновые фотоотпечатки необычайно богаты оттенками: от теплого черного до красно-коричневого и различных тонов серого, которые недостижимы при других видах печати. В отличие от массовой серебряно-желатиновой печати и современных цифровых технологий, платиновая фотопечать – исключительно ручной труд, самый длительный и сложный из фотографических процессов, в результате которого получаются красивые и благородные снимки.

Платиновая печать сама по себе является своего рода искусством. На сегодняшний день всего несколько художников в мире способны работать в этой исключительной технике, и только некоторые из них выполняют отпечатки такого же размера, как Джабах. Каждая из его работ – неповторимый диалог между изображением, химическим процессом и профессиональными навыками художника.

Совершенство ручной работы и глубокие, притягательные черно-серые тона отличают «Черную Мадонну» (изначально «Без названия»). Меланхоличное, готическое изображение девушки в вуали получило свое название, когда, изучая искусство Византии и ранний Ренессанс, Джабах открыл для себя редкую черную икону с двумя царапинами на лице Богородицы и золотым нимбом над головой - Черная Мадонна Ченстохова (Ченстоховская икона Божией Матери). Vierges Noires (Пустая Черная), как ее называют по-французски, ассоциируется с чудесами и ежегодно в августе, с 1711 года, привлекает множество паломников в город Ченстохов в 225 км от Варшавы – крупнейший религиозный центр Польши.

Вдохновением для последней серии работ «Современная мадонна» Джабаху Кахадо послужила «идеализированная форма женщины, дающей новую жизнь». Напечатанные вручную платиновые отпечатки декорированы неоновыми нимбами и выставляются в плексигласовых коробках, которые подчеркивают сакральность новой жизни.

Выставка Джабаха Кахадо "Современная мадонна" в галерее MSK Eastside
работает с 10 ноября по 3 декабря 2016 года.




Читать далее
Показать еще обсуждения
HELP