• Facebook
  • Vkontakte
  • Twitter
  • Ok
Войти   Зарегистрироваться
651
Выставки в галереях искусств
140 участников 46 тем Администратор: Людмила Куликова
            
            
«Сообщество для представителей творческих профессий - тех, кто умеет видеть и создавать.Делитесь впечатлениями, информацией, публикуйте рецензии на выставки.»
Обсуждения
Выставка художественной Группы Восьми (Лестница), отмечающей свое творческое 40-летие, проходит в эти дни в Музее искусства Санкт-Петербурга XX—XXI веков. Составленная из произведений музейных собраний, частных коллекций Санкт-Петербурга и мастерских художников, экспозиция представляет искусство восьми авторов — очень разных по мировоззрению, стилистической манере, широте жанрового и эмоционального диапазона.

Группа сложилась в 1975 году, в период острого противостояния официального Союза художников, пропагандировавшего достижения социалистического реализма, и мастеров, которые составляли левый блок Ленинградского отделения Союза художников. Она объединила в своих рядах художников, работающих в разных видах искусства — (живописцев, графиков, скульпторов, мастеров декоративно-прикладного искусства), но близких друг другу по духу. 

В Группу Восьми, она же Лестница, вошли Семён Белый (1938-2010), Анатолий Громов (род.1941), Любовь Добашина (род.1943), Владимир Долгополов (1938-1999), Анатолий Заславский (род.1939), Николай Кошельков (1934-1995), Лев Ланец (1941-2004), Валерий Мишин (род.1939), а также керамист Григорий Капелян (вышел в 1977 году в связи с отъездом в США) и Александр Совлачков (вышел в 1981).

Соединяя в своем искусстве романтику оттепели с приемами авангарда, художники Группы Восьми сыграли ведущую роль в трансформации культурного пространства того времени. Богатый и разнообразный материал, представленный в экспозиционном пространстве музея, дает возможность не только познакомиться с историей развития группы, но и проследить ее творческое движение. Экспозиция позволяет зрителю прочувствовать художественную атмосферу жизни целой эпохи, изобразительную эстетику четырех сменяющих друг друга десятилетий.

Совместные выставки Группы Восьми всегда будоражили интерес публики, волновали воображение, наполняли воздух ощущением художественной свободы. Нынешняя - не исключение. Экспозиция Музее искусства Санкт-Петербурга XX—XXI веков работает до 11 декабря 2016 года.

Иллюстрации к материалу: 
Анатотлий Заславский, "Пять углов"
Анатолий Заславский, "Нечетная сторона БольшогоПроспекта". 2014
Валерий Мишин, "Джакомерон" 1993
Лев Ланец, "Двое". 1970

При подготовке использован пресс-релиз МИСП.
Читать далее
Музей искусства Санкт-Петербурга XX—XXI веков представляет масштабную ретроспективную выставку общества Колдовских Художников «Хроники Мультреализма», приуроченную к 50-летнему юбилею петербургского художника Николая Копейкина, одного из основателей группы и направления Мультреализм.

В рамках выставки зрители познакомятся с произведениями, созданными Колдовскими Художниками в течение 15 лет для таких нашумевших проектов, как «ЧМО – Человек, Магия, Общество», «ТАРАРАРЫ – Тюрьма, Армия, Ресторан», «ЛИБИДО – Ленинградский Институт Брака И Домашнего Очага», «ЛЕНЭНЕРБЭ – Ленинградское наследие предков». Завершающим аккордом выставки станет персональная экспозиция Николая Копейкина, состоящая из работ разных лет, часть из которых выставляется впервые.

Более 100 живописных работ, арт-объектов, инсталляций и плакатов представляют весь спектр творческой деятельности художественной «секты», в состав которой входя: Николай Копейкин, Вася Ложкин, Владимир Медведев, Андрей Кагадеев, Николай Васильев, Алексей Уваров, Кирилл Миллер, Михаил Гавричков, Михаил Рубцов, Андрей Люблинский.

«Колдовские Художники» развивают традиции "русской смеховой культуры". В средствах выражения они не следуют какому-либо классическому направлению в истории искусства, считая, что основная составляющая в творческом процессе – «что», а не «как». Занимаясь помимо изобразительного искусства музыкой, литературой, видео- и фотосъемкой, «Колдовские Художники» изобрели свой собственный язык, дав ему определение «Мультреализм». Их образы аллегоричны, наполнены иронией, а зачастую и сарказмом по отношению к окружающей реальности и человеку. Такой критический подход обусловлен основной сверхзадачей любого «Колдовского Художника» — не очаровать, а разочаровать зрителя, другими словами расколдовать его, заставить сломать привычный взгляд на окружающую действительность и самого себя, увидеть мир вокруг, лишенным шелухи иллюзий, в чистом, «божественно» волшебном свете.

Выставка «Хроники Мультреализма» в Музее искусства Санкт-Петербурга XX—XXI веков
работает до 11 декабря 2016 года.
Читать далее
Практически в самом начале своей творческой деятельности Стас Намин (Анастас Микоян), филолог и режиссер по образованию, ярко заявил о себе как музыкант, композитор и продюсер. Позже он стал известен также как художник и фотограф, режиссер и продюсер театра и кино, как создатель многих социальных проектов. Многогранному таланту одного из корифеев российского рок-движения посвящена экспозиция «Откровенно» (Insite Out), которая в эти дни проходит в Российской Академии художеств

Стас Намин - признанный фотограф, почетный член Российской академии художеств. Более пятнадцати лет он занимается живописью и графикой, используя смешанную технику, экспериментируя с современными компьютерными и другими технологиями. Работы художника экспонировались в разных отечественных и зарубежных музеях и галереях. За последние годы он создал целый ряд живописных циклов – серии портретов, серии, посвященные Армении, Италии. В своих живописных работах Стас Намин обращается к классическим жанрам – чаще всего к портрету, к обобщенным пейзажным и жанровым мотивам, отдавая предпочтение лаконичным композициям, являя образ как таковой, нередко придавая поверхностям своих полотен нарочито условный, почти декоративный характер.

В экспозиции представлены живописные и графические произведения, созданные на основе путешествий по разным странам мира. В создании портретов членов семьи – матери художника, деда, - Намин акцентирует тему домашней памяти. Основой для создания серии женских образов нередко становились старые архивные или же собственные авторские фотографии, но Намин пишет их так, как если бы работал с натуры, давая почувствовать ритм и процесс создания. К портретному циклу принадлежат и образы представителей трех религий, запечатленные в момент переживания религиозного озарения. 

По словам президента Российской академии художеств Зураба Церетели, выставка Стаса Намина «Откровенно» представляет еще одну грань таланта легендарного музыканта, ставшего кумиром миллионов. И для многих она станет откровением – ведь мало кто знает Намина как художника.

Подготовлено с использованием иллюстраций и материалов пресс-релиза РАХ.
Читать далее
Михаил Овчаренко, новый директор одной из первых столичных галерей  - галереи «Риджина», - призывает всех выбраться из серых домов, мастерских, офисов и раскрасить свои будни «Tutti Frutti» - дерзкой выставкой-миксом с участием всех художников галереи. Их имена витают в мировой арт-среде. Просто подключите свое воображение и вы сможете увидеть их воплощения!
Визуальная часть выставки отражает идею обновленной выставочной программы «Риджины»: «Tutti Frutti» представляет собой ассорти из ассоциаций, смыслов, из разных подходов к искусству и эстетике, которые воплощают художники галереи. «Риджина» стремится сделать из этого tutti frutti изысканный мультифруктовый коктейль из самых сочных плодов современных авторов, распробовав который зрители смогут разобраться во всех его нотках и послевкусиях.
Многое будет удивительно и в новинку - галерея делает акцент на образовании своего посетителя, поэтому совершенно не боится представлять глубокое и эксцентричное искусство, прибегать к необычным выставочным стратегиям.
Обновленная «Риджина» ассоциирует себя с садом, в котором фрукты спеют, наливаются соком и становятся вкуснее. Добро пожаловать! 

В экспозиции представлены работы художников галереи "Риджина", среди которых Сергей Братков, Иван Чуйков, Семен Файбисович, Олег Голосий, Алексей Калимма, Егор Кошелев, Влад Кульков, Анна Паркина, Павел Пепперштейн и другие яркие представители современного российского искусства. 

Выставка «Tutti Frutti» работает до 30 ноября 2016 года.
Читать далее
Успех Джабаха Кахадо в художественном мире начался с его дебюта на выставке «Moskva Raw» в 2008 году, и сегодня его называют «Фрэнсисом Бэконом фотографии». Галерея MSK Eastside представляет выставку известного московского фотохудожника Джабаха Кахадо "Современная мадонна"

Применяя в своем творчестве платиновую (палладиевую) печать 19 века, Джабах Кахадо добивается фирменных «потертостей» на изображениях, которые являются блестящим результатом сочетания фотографии, полиграфии, живописи и абстрактного символизма. Сам процесс, внедренный Вильямом Вилсом в 1876 году, был очень популярен в 19 веке и активно использовался группой фотографов, известных как “Pictorialists” («Фотохудожники»). В 60-х годах ХХ века американский фотограф Ирвин Пенн активно экспериментировал с этим методом для получения изысканных, насыщенных оттенков и богатых текстур. Фотограф Хёрст П. Хёрст также выбрал платиновую печать для большинства своих культовых изображений, чтобы значительно расширить ахроматическую палитру и добиться роскошной матовой поверхности снимков.

Платиновые фотоотпечатки необычайно богаты оттенками: от теплого черного до красно-коричневого и различных тонов серого, которые недостижимы при других видах печати. В отличие от массовой серебряно-желатиновой печати и современных цифровых технологий, платиновая фотопечать – исключительно ручной труд, самый длительный и сложный из фотографических процессов, в результате которого получаются красивые и благородные снимки.

Платиновая печать сама по себе является своего рода искусством. На сегодняшний день всего несколько художников в мире способны работать в этой исключительной технике, и только некоторые из них выполняют отпечатки такого же размера, как Джабах. Каждая из его работ – неповторимый диалог между изображением, химическим процессом и профессиональными навыками художника.

Совершенство ручной работы и глубокие, притягательные черно-серые тона отличают «Черную Мадонну» (изначально «Без названия»). Меланхоличное, готическое изображение девушки в вуали получило свое название, когда, изучая искусство Византии и ранний Ренессанс, Джабах открыл для себя редкую черную икону с двумя царапинами на лице Богородицы и золотым нимбом над головой - Черная Мадонна Ченстохова (Ченстоховская икона Божией Матери). Vierges Noires (Пустая Черная), как ее называют по-французски, ассоциируется с чудесами и ежегодно в августе, с 1711 года, привлекает множество паломников в город Ченстохов в 225 км от Варшавы – крупнейший религиозный центр Польши.

Вдохновением для последней серии работ «Современная мадонна» Джабаху Кахадо послужила «идеализированная форма женщины, дающей новую жизнь». Напечатанные вручную платиновые отпечатки декорированы неоновыми нимбами и выставляются в плексигласовых коробках, которые подчеркивают сакральность новой жизни.

Выставка Джабаха Кахадо "Современная мадонна" в галерее MSK Eastside
работает с 10 ноября по 3 декабря 2016 года.




Читать далее


Арт-галерея Nebo представляет первую посмертную выставку знаменитой украинской художницы Параски Хомы. Красочные и эмоциональные произведения самобытной мастерицы ставят в один ряд с работами Екатерины Билокур и Марии Примаченко.


В Киеве покажут 15 работ Параски Хомы, относящиеся к разным периодам ее творчества. Объединяет их яркая палитра, фантазия и поэтическое мироощущение автора.


Параска Хома родилась на Прикарпатье, в Ивано-Франковской области. Рисовала с детства, но известность пришла к ней только в 35 лет. Первую выставку мастерицы декоративной росписи помог организовать легендарный директор Львовской картинной галереи Борис Возницкий.


Более чем за 40 лет творчества Параска Хома создала свыше пяти тысяч работ. Ее произведения хранятся в музейных собраниях Киева, Львова, Ивано-Франковска, Москвы, Санкт-Петербурга, в частных коллекциях США, Канады, Польши, Австралии.



Последние три года Параска Хома тяжело болела, но продолжала рисовать. Художница скончалась чуть больше месяца назад, 23 сентября.

Выставка «Земная и небесная жизнь Параски Хомы» в Nebo Art Gallery откроется 10 ноября, когда художнице исполнилось бы 83 года, и продлится до конца месяца. Вход свободный.
Читать далее
Необычная выставка "Прощание с "Розовым забором" проходит в фонде In Artibus: главного экспоната - картины Михаила Рогинского «Розовый забор. Рельсы» (1963) — нет в экспозиции. Дело в том, что эта работа из собрания Инны Баженовой, владелицы Фонда, передана в дар Центру Помпиду и теперь будет представлять творчество художника в одном из ведущих мировых музеев, в Париже — городе, где Рогинский прожил многие годы. Нынешняя выставка в фонде In Artibus объединяет более 40 произведений художника из частных коллекций.

Михаил Рогинский (1931–2004) был и остается одним из самых радикальных новаторов среди московских неофициальных художников 1960-х годов. Его картины, на первый взгляд, лишены сложных подтекстов, тайн и загадок. Он изображал простые, непарадные предметы, не боясь показаться художником быта и повседневности, и «Розовый забор» - яркое тому подтверждение.

«Объяснить живопись я не могу, это относится к области чувств. Как музыкальный слух. Когда я работаю, в конечном итоге больше всего я выражаюсь в том, как я пишу – то есть, цвет, фактура, организация, пропорции». 
                                                                                                                          Михаил Рогинский

По мнению кураторов выставки, розовые заборы, комнаты и дома, не раз встречающиеся в произведениях автора, нельзя считать банальностью и абсурдной реальностью советской жизни, которую любили изображать многие неофициальные художники. Раскрашивая объекты в розовый цвет, Рогинский создавал очевидный и одновременно невозможный предмет и делал его символом бытия. Художник всегда играл с цветовой метафорой, создавая в своих живописных произведениях не только театр предметов, но и своеобразный театр цвета. Он противопоставлял не белый черному, а розовый серому как символы мечты и повседневности.

Михаил Рогинский воплотил атмосферу надежды и разочарования эпохи не только в сюжетах и мотивах своих произведений, но в самих красках и материи живописи. Дома, люди, чайники, примусы, заборы, трамваи и стулья — всего лишь актеры в театре мироздания, где нет протагонистов и массовки, где каждый персонаж важен и ничтожен одновременно, а розовый в этой живописной драматургии — один из главных героев.
                                                                             
Ретроспектива Михаила Рогинского "Прощание с "Розовым забором" в фонде In Artibus (Москва, Пречистенская набережная, 17) работает до 7 ноября 2016 года. 

В материале использован пресс-релиз фонда In Artibus.
Иллюстрации: Михаил Рогинский, «Розовый забор. Рельсы» (1963), "В мясном отделе" (1981-1982), "Витрина" (1982), "Городские бани" (1996), "Несмотря на все он продолжает посещать выставки" (1994). 
Читать далее
6 октября в Государственном музее искусства народов Востока стартует замечательная выставка одного из самых известных художников и графических дизайнеров Японии XX века Таданори Ёкó "Искусство смыслов". Москвичам и гостям столицы представят инсталляции, посвященные работам Ёко, короткометражную анимацию середины 60х годов, а также оформительский дизайн для музыкальных изданий. Выставку будут сопровождать лекции о графическом дизайне в Японии и творчестве художника, которому этим летом исполнилось 80 лет. 

Оригинальная стилистика Таданори Ёко совмещает реальное и ирреальное, сны и воспоминания, исторические образы и  элементы массовой культуры. Его творчество провокационно, оригинально и иронично, подобно головоломке, выявляющей множество скрытых смыслов. Ёко – действующий живописец, работы которого находятся в собраниях крупнейших музеев мира. В 2015 году он получил Императорскую премию имени принца Такамацу за вклад в японскую живопись.

Таданори Ёкó родился в 1936 году в г. Нисиваки (префектура Хёго) и с ранних лет работал оформителем афиш и рекламы. В возрасте 24 лет он стал штатным сотрудником крупного дизайн-бюро Nippon Design Center. Прошло четыре года, и Ёко уходит в "свободное плавание" - дизайнер оформляет постеры, афиши и каталоги.

Художник сотрудничал с писателем Юкио Мисимой, фотографом Эйко Хосоэ, режиссёрами и актёрами, основателями авангардных театров Сюдзи Тэраямой и Тацуми Хидзикатой. Ёко становится известным художником поп-арта, одним из первых обратившись к символам национальной гордости, забытым после поражения страны во Второй мировой войне – японскому флагу, ветке сакуры, изображению горы Фудзи.

В 1968 г. Ёко оформил баннер для масштабной выставки графического дизайна в Нью-йоркском музее современного искусства «Word and Image», в 1972 г. стал первым японским художником, получившим приглашение провести персональную выставку в МоМА. 

В 1970е годы, пережив страшную автомобильную аварию, художник увлекся индуизмом и мистицизмом. Таданори Ёко создает серии графических работ с космическим чёрным фоном, в его творчество проникают религиозные и философские темы. В это время он оформил афиши для групп The Beatles, Emerson, Lake & Palmer и Earth, Wind & Fire; обложки альбомов для Santana, Miles Davis и многих других; афиши к кинофильмам и театральным постановкам. В 1981 г., посетив ретроспективную выставку Пабло Пикассо в Нью-Йорке, Таданори Ёко издал «манифест художника» и оставил коммерческий графический дизайн ради живописи. Живописные произведения художника различны по тематическому и стилистическому содержанию и испытывают влияние сюрреализма, символизма и примитивизма.

В 2012 году одна работа Таданори была представлена на выставке современного японского искусства «Двойная перспектива» в Московском музее современного искусства. Теперь же, при поддержке Японского фонда и Музея современного искусства Таданори Ёко, в  Государственном музее искусства народов Востока будет показана большая ретроспектива художника "Искусство смыслов".

Выставка откроется 6 октября и будет работать до 6 ноября 2016г.
















 
Читать далее

В Одессе в рамках Первого ежегодного международного Фестиваля современного искусства Freierfest, который проходил с 24 по 30 августа 2016 г., презентовали масштабный групповой проект «Захваченная территория». Звучит угрожающе, однако это, очевидно, все же культурная миссия. Гулкие просторы четвёртого этажа бывшей чаеразвесочной фабрики будто сами превратились в единый арт-объект, эдакую огромную инсталляцию. Ее частями служили внедренные объекты: картины, фото, видео... Ну а со зрителями эта инсталляция преобразовывалась еще и в перформанс.
Начался он с указующих реплик вахтера, вовсе не удивленного шествием странно одетых людей (богема!) в жаркий будний день; продолжился - квестом на лестнице ("А кто-то вообще считал этажи?"), и достиг кульминации на арт-пространстве. "Ройтбурд!" - безошибочно указала девушка на характерную для творчества маэстро картину. "Эшер и Бэтмен - арт чудесный" - сымпровизировал на ходу молодой человек возле броского "гибридного" сюжета. "Петушиные головы!" - обрадовалась юная часть аудитории при виде инсталляции на крыше, которая виднелась с балкончика. А где игрушка-попугай, который произносит: «Почему меня взяли на эту выставку?» (работа Николая Карабиновича, Одесса)? Черепа и Свиньи, Руки и Трубы, Ангелы и Граффити  - визуальные объекты в  фантасмагории совриска были весьма запоминающиеся, однако эпатажность иных из них нивелировало само пространство.
"Крупнейшие" экспонаты были просто "уместными", умиротворяюще уютно "бормотали" различные видео, звуки смешивались и отражались многослойным эхом. Лаяли  или нет черно-белые "Псы" Elleke Hageman (Роттердам) на большое экране? Они множились тенями и притягивали взоры фотографов... Рядом - граффити "Привет, гомики!": изображены Сальвадор Дали и Пикассо, вот так вот! Там, дальше, румяная девочка, словно с открытки 60-х, старательно вышивает на красной ткани имя рокерского монстра современности "Marylin Manson" (проект «Вторжения» Ирины Вальдрон, Париж). Со скульптурами (даже устрашающими) хотелось сфотографироваться, а посетительницы с палкой для селфи выглядели рядовыми искателями сокровищ, которых порой можно увидеть вечером на одесских пляжах. Кто оборонил сережку? Колечко? Но в кадре - только девушки, а вместо треска прибора - слитный говор видеосюжетов... И Объекты. Они ненадолго захватили эту территорию, но были, скорее, хорошими соседями, а еще (и все-таки) - гостями.

Специальный коллективный проект «Захваченная территория»: кураторы - художники Роман Громов и Дмитрий Эрлих. Свои работы представили: «Pivnyky Time» (Украина, инсталляция), Еugor (Одесса, спрей-арт), Fractale Bruno (Бразилия, digital, графика), Hageman Elleke (Родердам, видео), Norman Behrendt (Берлин, фото), Thies Joshua (Роттердам, видео), Ройтбурд Александр (Одесса, живопись), Ахтырский Андрей (Одесса, инсталляция), Бабчинский Андрей (Одесса, живопись), Бондеро Вадим (Одесса–Роттердам, живопись), Вальдрон Ирина (Париж, digital, шелкография), Величев Евгений (Одесса, инсталляция), Василина Верди (Москва), Ганкевич Анатолий (Одесса, живопись), Григорян Давид (Одесса, фото), Громов Роман (Одесса, инсталляция), Домбровская Елена (Одесса, живопись), Дёкина Ольга (Одесса, живопись), Дремов Александр (Одесса, живопись), Жалобнюк Стас (Одесса, живопись), Железцов Арнольд (Москва), Зайдель Игорь (Берлин, живопись), Звездочётова Лариса (Москва-Роттердам, живопись), Кашкарова Татьяна (Берлин, живопись), Карабинович Николай (Одесса, видео), Канивец Оксана (Одесса, фото), Кононов Сергей (Одесса, живопись), Лапшин Валентин (Одесса, живопись), Лизогуб Константин (Харьков, проект «Плутанина», живопись), Лукин Николай (Одесса, живопись), Манн Олекса (Львов, живопись), Мельниченко Сергей (Харьков, фото), Оз Француаза (Одесса, живопись), Орлова Зоя (Киев, живопись), Павлишин Константин (Киев, живопись), Перевертун Богдан (Одесса, инсталляция), Пригодич Светлана (Роттердам, видео), Пронькина Елена (Киев, живопись), Райзман Лев (Кишинев–Одесса, видео), Салов Андрей (Киев, живопись), Сонин Веньямин (Барселона, графика), Харченко Олег (Киев, коллаж), Цой Никита (Киев) (живопись), Шабельнико Юрий (Москва) (инсталляция), Эрлих Дима (Одесса) (перформанс).

Читать далее
Выставка "Советский андеграунд" объединила московских и ленинградских художников как участников единого художественного процесса. Многовекторность и стилистическое разнообразие, внутренняя свобода от любого диктата и яркие краски в полной мере воплощают картины Оскара Рабина и Анатолия Зверева, Михаила Шварцмана и Дмитрия Краснопевцева, Эдуарда Штейнберга и Владимира Немухина, представленные в экспозиции Нового музея.

Центральное место в экспозиции отдано монументальной картине «Пробуждение», созданное Евгением Михновым-Войтенко, "ленинградским Джексоном Поллоком", в конце 60х годов. Впервые картина была показана в Новом музее на ретроспективной выставке художника в октябре-ноябре 2010 года. До этого десятки лет полотно хранилось у сестры художника, свернутое в рулон - до того, как было приобретено для коллекции Нового музея.

Линию ленинградского абстракционизма обозначили работы Михаила Кулакова, Юрия Дышленко, Евгения Рухина. А вот неофициальное искусство Москвы представлено и лианозовской школой, и метафизическим направлением, и соц-артом, и концептуализмом. В экспозиции - произведения таких легендарных, уже вошедших в историю художников, как Оскар Рабин ( «База № 50», 1962), Лев Кропивницкий («Композиция», 1960-е), Дмитрий Краснопевцев («Памятник в цветочном горшке с лентой», 1987), Михаил Шварцман («Утренняя дорога», 1978), Эдуард Штейнберг («Композиция», 1979), Анатолий Зверев («Дон-Кихот, 1971). Петербуржцы и гости столицы увидят работы Лидии Мастерковой и Олега Васильева, Дмитрия Плавинского и Владимира Янкилевского. Изюминка экспозиции - ранее не выставлявшиеся работы Геннадия Устюгова и Владимира Овчинникова.

Выставка работает до 11 сентября 2016г. Поклонники советского андеграунда, поспешите!

  
Читать далее
Показать еще обсуждения