Choose a language
Use Arthive in the language you prefer
Sign up
Create an account
Register to use Arthive functionality to the maximum

Вместо музея - в кино: фильмы-выставки на больших экранах

  9 
Что делать, если вы не попали на выставку Леонардо, Микеланджело или Винсента, но очень хотели? Идти в кинотеатр. Арт-объединение CoolConnections представляет проект «АртЛекторий в кино»: на больших экранах в 60 городах России, а также в Украине, Грузии, Казахстане, Азербайджане и Беларуси показывают полнометражные документальные фильмы, в основе которых самые громкие выставки последних лет. Директор CoolConnections Надежда Котова рассказывает, почему смотреть картины на большом экране даже интереснее, чем на выставке.

— Когда и где вы впервые увидели фильм-выставку?


— Это было в 2011 году, и был большой шум на тему выставки Леонардо в Национальной галерее в Лондоне. Там были невероятные столпотворения людей, все билеты были проданы. Мы услышали, что планируется прямая трансляция с этой выставки, но уже не успевали включится в неё. И нам предложили купить права на фильм «Леонардо HD» для дистрибуции, что мы тогда позволить себе не могли. Это было весной. Время шло, и мы вспомнили про Ночь музеев. К этому времени у фильма уже появились мировые дистрибьюторы. Мы с ними списались и предложили сделать три сеанса в Ночь музеев. Мы договорились и, когда анонсировали фильм, продали билеты буквально за неделю. Тогда нашей основной площадкой был кинотеатр 35 мм в Москве, большой зал, и мы сделали сеансы в 19 часов, 21 и 23 часа — ближе к ночи. Нам потом пришло очень много писем: «А как же дети? Почему вы не сделали пятичасовой сеанс?!» То есть билеты мы продали очень быстро и получили приятный отклик. Фильм-выставка оказался интересен и людям с очень базовыми представлениями о живописи, и людям, которые занимаются искусством профессионально. Рассказ про картины, мнение экспертов, их живой разговор — это нельзя назвать стандартной экскурсией. В фильмах есть и личные впечатления от художника, и экспертная оценка. И, конечно, мы подписались на первый же фильм-выставку, который появился после «Леонардо НD», и на весь проект. Потом у нас собралось большое количество материалов для показа, мы решили сделать русский закадровый переовод фильмов-выставок и попытаться выделить их в отдельное направление, чтобы сделать этот проект доступнее для широкой аудитории.

— В России сложилась традиция смотреть документальные фильмы об искусстве, когда они идут на телевидении. На телеканале «Культура», например. Вы предлагаете принципиально иной подход — пойти на фильм об искусстве в кинотеатр…

— Да, мы привыкли к документальному кино об искусстве, где рассказывают и показывают, но проект Фила Грабски отличается тем, что он очень хорошо научился снимать сами картины. Когда вы приходите на фильм-выставку, вы получаете возможность рассмотреть картину так, как никогда больше её не рассмотрите. В репродукции в книге всё зависит от качества издания. А если вы попали в музей к подлиннику… Сейчас всё больше людей смотрит на произведение через экран
Трафаретная печать – это процесс воспроизведения изображений и надписей, при котором чернила проходят через сетчатую форму на печатную поверхность. На форме создаётся трафарет – области, непроницаемые для печатной краски. Краска, которая проходит через сетку, формирует печатное изображение. Читать дальше
телефона. Люди приходят в музей и уносят картину с собой — фотографируют её. Привычка рассматривать всё через маленький экран
Трафаретная печать – это процесс воспроизведения изображений и надписей, при котором чернила проходят через сетчатую форму на печатную поверхность. На форме создаётся трафарет – области, непроницаемые для печатной краски. Краска, которая проходит через сетку, формирует печатное изображение. Читать дальше
удивительна. Вы откладываете визуальное восприятие. Посещение кинотеатра прекрасно тем, что вы в пространстве, где у вас не закипит чайник и не зазвонит телефон, вас ничто не отвлекает. И перед вами огромный экран
Трафаретная печать – это процесс воспроизведения изображений и надписей, при котором чернила проходят через сетчатую форму на печатную поверхность. На форме создаётся трафарет – области, непроницаемые для печатной краски. Краска, которая проходит через сетку, формирует печатное изображение. Читать дальше
и возможность не откладывать на потом, а именно сейчас посмотреть и послушать. В этом смысле проект уникальный, потому что у вас должен быть дома очень хороший телевизор с очень хорошей цветопередачей, чтобы дать такой же уровень визуального восприятия.

— У вас есть любимый фильм из цикла «АртЛекторий в кино»?

— «Сады в живописи» — очень атмосферный фильм. Там невероятно красивые переходы от живых садов к картинам. Мотивирующий фильм к тому же, сразу хочется заняться садоводством, составлять букеты…

— А есть ли какая-то выставка, которую вы хотели бы, чтобы снял Фил Грабски?

— Вы знаете, Фил был в России уже два раза — на презентации фильма о Босхе и как раз «Садов в живописи» — и, чем больше он ходит по нашим музеям, тем больше интересуется их коллекциями. Конечно, мне было бы интересно, чтобы какая-то выставка или постоянная экспозиция или Третьяковской галереи или Русского музея попала в его объектив. Какие-то произведения он снимал в Эрмитаже, например. Но фильмов, посвящённых русским художникам, пока нет.

— Какие планы у проекта «АртЛекторий в кино» сейчас?

— Мы сейчас хотим развивать проект «АртЛекторий в кино», который объединяет и фильмы-выставки, и показанный нами фильм к 250-летию Эрмитажа, и фильм «Революция». У нас был очень успешный опыт, когда мы показывали фильм «Уильям Тёрнер» в рамках фестиваля британского кино и собрали полные залы. У нас есть фильм про Эгона Шиле, который тоже очень органично вписался бы в АртЛекторий. Понятно, что это уже художественные фильмы с неким авторским осмыслением жизни художника, но они были бы интересным дополнением к АртЛекторию.

— А какова география проекта?

— По России у нас порядка 60 городов. Мы показываем наши фильмы на Украине, в Грузии, Казахстане, Азербайджане. Сейчас мы работаем с теми же кинотеатрами, которые показывают наш проект Театр HD, но здесь у нас более широкие возможности. На примере Москвы мы попробовали сделать утренние сеансы. И достаточно успешно сделали в «Формуле кино ЦДМ» циклы фильмов об искусстве в виде абонементов. Это было специальное предложение для подписчиков — у них было время для того, чтобы купить билеты на весь цикл по специальной цене. На это очень хорошо отреагировала публика: за 2 дня все билеты, которые на это спецпредложение были выделены, раскупили и на выходные, и на будние дни. Так что мы хотим, чтобы у кинотеатров была возможность творчески подойти к этому.
Сейчас в программе проекта «АртЛекторий в кино» 17 фильмов о художниках и направлениях в искусстве, о крупнейших выставках последнего десятилетия. Ниже — информация о нескольких лентах, идущих в прокате до 30 ноября.

Выбирайте ваш город на странице проекта — и смотрите, когда ближайший сеанс.

Сад художника: американский импрессионизм
Об импрессионизме вы наверняка знаете очень много: и фамилии художников-корифеев назовете, и в музее запросто отыщете зал, где мерцает водная гладь и один и тот же мотив написан в разное время суток, и про скандал на первой выставке наверняка вспомните, и даже Моне от Мане отличите. А значит, пора переходить на следующий уровень: все, что вы еще хотели узнать об импрессионизме. Читать дальше

Когда волна увлечения импрессионизмом захлестнула Америку, оказалось, что американские художники вслед за французскими коллегами хотят бежать из больших городов. Они тоже стремились писать на пленэре и тоже были очарованы красотой садов. Летом они выезжали на природу и селились целыми колониями — в Корнише, в доме мисс Флоренс Гризволд в Олд Лайме, на ферме Вейра в Коннектикуте. Там американские импрессионисты писали залитые солнцем сады, буйное цветение роз и старинные поместья Новой Англии.

Этот особенный период в истории американского искусства лёг в основу выставки, а затем и фильма «Сад художника: американский импрессионизм». Режиссёр Фил Грабски вслед за Джоном Сарджентом, Теодором Робинсоном, Филиппом Лесли Хейлом и Мэри Кассат всматривается в природу, вдохновившую художников на создание совершенно особого мира американского импрессионизма.

В фильме «Сад художника: американский импрессионизм» историки искусства и историки садов, кураторы и актриса Джиллиан Андерсон рассказывают о том, как увлечение садами и живописью на пленэре стало ответом на индустриализацию Америки, на рост городов и эксплуатацию природы ради экономики. На их картинах природа — будь то сады Новой Англии или парки в больших городах — становится образом свободы, красоты и покоя.

Девушка с жемчужной серёжкой

«Девушку с жемчужной серёжкой» Яна Вермеера часто называют северной Джокондой — она так же загадочна и притягательна своей вневременной красотой. Вот уже больше ста лет, с тех пор как картина попала в коллекцию музея Маурицхёйс в Гааге, исследователи бьются над её загадкой. Кем была эта девушка? Портрет ли это или трони, как называли в Голландии полу-жанр полу-портрет, введённый в моду Рембрандтом? Почему на ней восточный тюрбан, и какие слова почти видимо слетают с её губ, когда она оборачивается к зрителю?

В фильме Фила Грабски «Девушка с жемчужной серёжкой» картина Вермеера — повод и отправная точка для разговора о голландском Золотом веке, удивительном периоде в истории страны, которая за 86 лет, прошедшие с провозглашения Нидерландов республикой до начала Третьей англо-голландской войны, дала мировому искусству больше великих живописцев, чем за всю остальную историю своего существования. Среди них Рембрандт и Франс Халс, Карел Фабрициус и Ян Вермеер.

О художнике Яне Вермеере известно немногое. Даже его шедевр «Девушка с жемчужной серёжкой» — тогда потемневший от времени холст — был куплен в далёком 1881 году на аукционе всего за 2 гульдена 30 центов коллекционером Андриесом дес Томбе как произведение неизвестного мастера. Умиротворённая красота полотен Вермеера и действительно возникает будто бы ниоткуда, не отягощённая ни подробностями биографии, ни последователями или учениками. На них Вермеер с почти режиссёрской точностью выстраивает мизансцены и рассказывает историю одним мгновением, будь то «Девушка, читающая письмо у открытого окна», «Женщина с лютней» или «Девушка с жемчужной серёжкой». История эта после просмотра фильма Фила Грабски может у всех зрителей оказаться разной, но, оставшись наедине с картиной Вермеера, каждый почувствует, как мир и время останавливаются, неподвластные вечности искусства.

Импрессионисты

«Импрессионисты» — фильм о выставке, совершившей путешествие по музеям Парижа, Лондона и Филадельфии в 2014—2015 году. И если в Филадельфии она называлась «Открытие импрессионистов», то в Париже её посвятили памяти человека, который это открытие совершил — Поля Дюран-Рюэля.

Как ни странно, Дюран-Рюэль не был ни художником, ни искусствоведом. Сложно объяснить тот факт, что владелец магазина товаров для художников и галереи совершил одну из главных революций в мире искусства, хотя всю жизнь был убеждённым традиционалистом, католиком и роялистом. Но именно он изменил ход истории искусства, превратив французских импрессионистов из тех, кого публика и критика считала опасными безумцами, в знаменитых на весь мир живописцев.

Можно назвать чистой случайностью то, что Дюран-Рюэль, заметив однажды в мастерской бельгийского художника Альфреда Стевенса две картины Эдуара Мане, два дня спустя постучал в его дверь и купил уже 23 картины — всё, что увидел там. В течение многих лет он продолжал скупать произведения Мане и Моне, Писсарро и Сислея, Дега и Ренуара. Через его галерею прошло около 12000 картин импрессионистов, которых поначалу не желала признавать французская публика. «Все соглашались, что я не в своём уме», — писал впоследствии Поль Дюран-Рюэль. Но он верил в новый живописный стиль и покровительствуемых им художников, и эта вера окупилась сполна.

В 2014 году, почти 100 лет спустя после его смерти, памяти одного из самых успешных арт-дилеров в истории посвятили выставку импрессионистов в Люксембургском музее в Париже, за которой последовали выставки в лондонской Национальной галерее и Художественном музее Филадельфии, и основанный на них фильм Фила Грабски «Импрессионисты». В фильме Фила Грабски присутствует и история арт-дилера, не побоявшегося риска, и атмосфера Парижа «прекрасной эпохи», и, конечно, полотна импрессионистов и художников их круга, которые Дюран-Рюэль приобретал и выставлял: Мане, Моне, Сислея, Писсарро, Ренуара — живопись изысканная и очень французская.

Сады в живописи — от Моне до Матисса

Клод Моне сказал однажды, что ни к чему не способен кроме разве что живописи и садоводства. Когда кураторы из Королевской академии художеств в Лондоне готовили выставку о садах в живописи, они задались вопросом: как увлечение садоводством и садами в конце XIX и в начале ХХ века повлияло на рождение современного искусства? Если Клод Моне и Гюстав Кайботт с увлечением посещали выставки цветов и заказывали для своих садов самые экзотические сорта, разве не могло это повлиять на их цветовую палитру и даже саму манеру письма?

Фильм «Сады в живописи — от Моне до Матисса» исследует тот период европейского искусства, когда сад превратился в любимую мастерскую для многих художников. В саду они изучали взаимодействие цветов и влияние света на пейзаж — известно, например, что Моне отказывался выходить из дома, если свет в тот день был плохой и писать сад было невозможно.
От зачарованных садов эпохи символизма до времени, когда цветы стали почти орнаментом на картинах Пьера Боннара и Анри Матисса, фильм «Сады в живописи» показывает все превращения, которые происходили с садами, пейзажной живописью и искусством на рубеже веков. Режиссёр Фил Грабски учит своих зрителей внимательно всматриваться в природу и — вслед за этим — в картину. Ведь, как заметил как-то Клод Моне, волшебство пейзажа открывается только постепенно.

Леонардо HD

В 1482 году малоизвестный тосканский мастер Леонардо да Винчи прибыл ко двору миланского герцога Лодовико Мария Сфорца, а в 1499 — покинул Милан известнейшим художником своего поколения, а, может быть, и всех времён. О том, чем были наполнены эти 17 лет, о становлении Леонардо-художника — фильм Фила Грабски, визуальный эквивалент нашумевшей лондонской выставки «Леонардо да Винчи: придворный живописец миланского двора», прошедшей в 2011 — начале 2012 года в Национальной галерее.

Тогда в Лондоне была собрана более чем половина живописного наследия Леонардо — беспрецедентный случай в истории. «Дама с горностаем» из Фонда князей Чарторыйских в Кракове, «Прекрасная Ферроньера» из Лувра, «Мадонна Литта» из Эрмитажа, «Блаженный Иероним» из Ватиканской пинакотеки и две «Мадонны в скалах», из Лувра и Национальной галереи, показали лондонской публике другого Леонардо. Не медийную фигуру и не мастера в зените своей славы, каким он окажется в конце жизни, когда будет работать при дворе французского короля Франциска I. Это Леонардо до Джоконды, художник в своём становлении, неутомимый экспериментатор.

В объективе Фила Грабски оказалась не только сама выставка, завораживающая на киноэкране своей красотой, но и музейная кухня: реставрация работ, почти детективная история с покупкой на итальянском аукционе старинной рамы для «Мадонны в скалах» и даже развеска картин — утомительный, но захватывающий процесс, завершающий долгие годы подготовки выставки такого уровня. Не попала в фильм разве что длинная очередь, выстроившаяся после открытия на Трафальгарской площади, — всего за три месяца выставку успели посмотреть 323 897 человек. Фильм Фила Грабски станет возможностью перенестись во времени и увидеть своими глазами легендарную выставку произведений Леонардо да Винчи, великого художника, истинного человека Ренессанса, человека-эпохи.

Винсент Ван Гог. Новый взгляд

В конце жизни, запершись в самом дешёвом номере отеля захолустного Овер-сюр-Уаз, Винсент Ван Гог писал брату Тео, что он неудачник, что он провалился как художник. Пройдёт совсем немного времени, и гениальный безумец станет иконой нового поколения художников. Сейчас почти два миллиона человек посещают каждый год музей Ван Гога в Амстердаме. Каждый находит там что-то своё: «Цветущий миндаль» или «Жёлтый дом» в Арле, «Подсолнухи» или один из двенадцати автопортретов. Кураторы говорят, что так сбылась мечта Ван Гога, больше всего на свете хотевшего достучаться до зрителя, тронуть и утешить его своим искусством. Вслед за амстердамским музеем создатели фильма «Винсент Ван Гог. Новый взгляд» устремляются на поиски человека, стоящего за шедеврами, породившего множество мифов и не оставившего ни одного из тех, кто видел его картины, равнодушным.

Съёмки фильма проходили в в Арле и Овер-сюр-Уаз во Франции, и, конечно, в музее Ван Гога в Амстердаме. Этот музей появился благодаря брату художника Теодору или Тео, как называли его родные. Он не только поддерживал Винсента финансово и бесперебойно снабжал красками и холстами, но и получил в наследство его картины и организовал первую персональную выставку Ван Гога в Париже. Его сын Винсент Виллем задумался о создании государственного музея Ван Гога, который открыл свои двери в Амстердаме 1973 году. С тех пор музей популярен не только среди ценителей живописи, но и похитителей произведений искусства. Недаром там произошли две крупные кражи картин. В 1991 году 20 картин (среди них знаменитые «Едоки картофеля») были украдены и вынесены за пределы музея, но через 35 минут обнаружены в припаркованной машине. В 2002 году история повторилась, уже с другим исходом. Две картины Ван Гога — «Вид на море у Схевенингена» и «Выход из протестанской церкви в Нюэнене» — были похищены и найдены только в 2016 году. Судьбе музея, перипетиям творческого пути и живописным открытиям одного из самых известных художников в истории посвящён документальный фильм «Винсент Ван Гог. Новый взгляд».

Мунк 150

В начале 1890х годов норвежский художник-символист Эдвард Мунк много путешествовал между Францией, Германией и Норвегией. «Я почувствовал, как страшный крик рождается внутри меня», — написал он однажды. Так появилась знаменитая картина «Крик» — произведение-символ, образ, который возвращает нас к сущности жизни. Мы кричим, когда рождаемся и умираем, когда переживаем боль и страх, гнев и счастье. Эдвард Мунк часто пользовался простыми образами, но задавал в своих картинах больше вопросов, чем находил ответов. Ответы на эти вопросы искали создатели сначала выставки, а затем и фильма «Мунк 150».

Когда кураторы Музея Мунка и норвежского Национального музея искусства, архитектуры и дизайна собирали эту выставку, они поставили амбициозную задачу показать творчество Мунка — не только автора знаменитого «Крика», но художника, чья творческая манера менялась со временем, который прожил долгую жизнь и говорил своими работами о любви и смерти. Главным своим произведением он сам считал «Фриз жизни»: 22 картины, без рам, на простом белом холсте, они рассказывают о рождении любви и её закате, страхе и смерти. Впервые с 1903 года, когда Мунк показал эти работы в Берлине, они оказались собраны вместе на выставке «Мунк 150» в Осло, которую режиссёр Фил Грабски превратил в фильм-выставку.

Фильм «Мунк 150» — это история непростого творческого пути, полного отчуждения и боли. Когда в 1886 году норвежский экспрессионист, изображая больную чахоткой девушку, расцарапал краску и написал почти что белое на белом — бледное лицо на светлой подушке, критики сочли его сумасшедшим. Мунк показал тогда историю своих страданий. Его близкие — сначала мать и сестра, а потом и отец — уходили один за одним, и Эдвард, который считал себя в той же мере писателем, сколь и художником, оставил запись в дневнике: «Я вижу лицо моего собственного призрака». Его призрак появится на картине позже, в 1893 году, когда он создаст свой знаменитый «Крик» — символ мучительности бытия, которую он так остро переживал всю свою жизнь. Живописец и писатель, экспрессионист и один из самых необычных художников рубежа веков — в объективе Фила Грабски в фильме-выставке «Мунк 150».

Микеланджело: Любовь и смерть

В 1501 году Микеланджело Буонарроти мчится из Рима во Флоренцию и там, запершись ото всех, совершенно один и без единого помощника днём и ночью работает над испорченным в предшествующем столетии куском мрамора. Работает с одной целью — создать произведение, которое сделает его величайшим из скульпторов, живших на Земле. Так появился «Давид» — манифест гуманизма и искусства Возрождения, самое известное и доныне произведение Микеланджело.

Новый фильм Дэвида Бикерстаффа и Фила Грабски «Микеланджело: Любовь и смерть» — это путешествие вглубь веков, в то время, когда архитекторы, скульпторы и живописцы впервые перестали быть ремесленниками и стали художниками. Когда восхищение Античностью совмещалось с христианскими сюжетами, а Флоренция расцвела при Медичи. Именно тогда Микеланджело удалось выразить всю свою эмоциональность и инстинктивное умение отсекать от каррарского мрамора только лишнее и создать «Давида», «Моисея» и надгробия Лоренцо и Джулиано Медичи.

Архитектор и поэт, скульптор и живописец, Микеланджело на все времена останется в памяти людей творцом, который расширял границы возможного и находил всё новые и новые формулы, которые художники не устают повторять и по сей день. Создатели фильма «Микеланджело: Любовь и смерть» отправляются вслед за гением эпохи Возрождения из Ареццо во Флоренцию и Рим, чтобы увидеть истоки всесокрушающего таланта Микеланджело, апогей его творческого расцвета и конец пути, своеобразным итогом которого стала Пьета Бандини, в которой в тени капюшона Никодима скрывается автопортрет
Автопортреты писали не только художники-портретисты. Познание мира через исследование собственного образа широко распространено среди мастеров кисти всех времен. Читать дальше Портрет – реалистичный жанр, изображающий существующего в действительности человека или группу людей. Портрет - во французском прочтении - portrait, от старофранцузского portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту». Еще одна грань названия портрет кроется в устаревшем слове «парсуна» — от лат. persona — «личность; особа». Читать дальше
мастера.
Материалы о фильмах-выставках предоставлены арт-объединением CoolConnections.
Заглавная иллюстрация: кадр из фильма «Девушка с жемчужной сережкой».