Sign up
Igor
Vyacheslavovich Zemlyansky
Krasnodarskiy Kray 
born in 1982 •
 
artist
Subscribe0
Biography and information
 
Biography
No biography

Feed
    Original   Auto-Translated

    270 members 30 topics
    Original   Auto-Translated
    "Искусство это мое убежище, жизнь, поэзия, музыка. Мои работы отражают мир, каким я его вижу, все мои чувства, люди которых я встречаю и люблю, природу, которой я восхищаюсь, и вещи, которые окружают и влияют на меня.

    Предпочтение отдаю живописи маслом на больших холстах, пишу в своей студии, иногда по несколько часов в день.

    Главное это передать атмосферу картины, мои кусочки из воспоминаний так, чтоб зритель тоже смог их прочувствовать и понять."  Юстина Копаня

    Официальные сайты
     
    https://www.deviantar…emoonhttps
    https://studiounderth…sites.com/

    Original   Auto-Translated

    Художница ответила на наши вопросы о творчестве, поисках стиля, учебе за рубежом, конкурсах, мастер-классах, о любимом и непонятном.


    Анастасия Франчук родилась в 1995 году в Черноморске (ранее этот город-спутник Одессы назывался «Ильичевск»). Она посещала художественную школу, брала дополнительные уроки рисования, чтобы поступить в Одесское художественное училище им. М. Б. Грекова. После его окончания последовал переезд на Западную Украину и учеба в Закарпатском художественном институте (ныне - академии). Получив степень бакалавра (специализация - «станковая живопись»), Анастасия решила попробовать реализовываться как художник за рубежом.

    К слову, еще во время учебы она проводила частные уроки рисования для детей, работала оформителем в театре. В итоге, как рассказала Анастасия, она «стала участником миссионерской школы в Америке… 3,5 месяца посещала христианский университет и слушала лекции об искусстве, его воздействии на людей. После этого курса часть ребят отправилась в Африку, а другие (в том числе Анастасия – прим. ред) – в Непал». Туда, где человек может заплакать, узнав, что специально ради него кто-то приехали издалека: ценность своей жизни он до этого не ощущал вообще. «Я рада, что удается выносить на обсуждение, показывать такие темы… » - говорит Анастасия.

    Путешествуя по разным странам, Эстер-Анастасия Франчук участвовала в различных творческих мероприятиях в США, Европе и Азии. Она также училась у известных художников Джона и Элли Милан, основавших свой арт-институт в штате Аризона, где преподают основы их оригинальной техники.
    Анастасия с давних пор увлекается верховой ездой, так что ее изображения благородных животных – не просто абстрактные фантазии. Художница работает в смешанной технике, используя масляные и акриловые краски, чернила и коллаж.
    Ее произведения можно найти в частных коллекциях в США, Израиле, разных странах Европы. Летом 2019 года выставки художницы проходят в Ужгороде, Киеве.

    Вопросы и ответы Анастасии.

    - Пожалуйста, опишите (охарактеризуйте) ваше творчество...
    - Мое творчество? Оно яркое, а его «красная нить» - мотив обретения свободы, полет над будничным и обыденным, жизнь в своём призвании. Я хочу, чтобы мои картины приносили небеса на землю, вдохновляли людей мечтать о большем.


    - Что вы больше всего любите писать/рисовать?
    - Больше всего люблю писать лошадей (и других животных тоже, конечно), ещё – интересные фигуративные композиции… Влюблённые пары, космонавтов – появляются разные образы, и я не сказала бы, что у меня есть что-то самое-самое любимое. В моей живописи все символично и каждый элемент раскрывает какой-то элемент моей персональной истории, так что работы - это еще и послания.

    - Как найти свою технику-технологию? Расскажите немного подробнее о вашем методе. 

    - Для каждого художника чрезвычайно важно найти свой стиль, который бы соответствовал его типу личности, выражал бы во всей полноте его историю и передавал персональную эстетику. В своей живописи я сочетаю абсолютно разные техники: люблю ощущать, как перетекают и «играют» чернила, создавая разные эффекты… люблю дерзость и экспрессивность граффити - баллончиков, насыщенность цвета акрила и разнообразие, свободу коллажа. Но каждую картину обязательно заканчиваю масляными красками: это даёт богатство и глубину цвета.


    - Сколько в среднем у вас занимает создание одной картины?
    - Каждая картина уникальна. Но в среднем, я бы сказала, на одну картину уходит 10-16 часов. А вот когда эти часы и вдохновение найти - уже другой вопрос, но я стараюсь писать каждый день. Иногда картине нужно дать время и переключиться на что-то другое, чтобы завершающий этап действительно сделал ее тем, чем она хочет быть.


    - Учеба, практика здесь и за рубежом: чем отличаются подходы тут и там?

    - Подходы у нас и за границей абсолютно разные. У нас очень строгая закалка и она учит мастерству и дисциплине, но, к сожалению, абсолютно не способствует тому, чтобы художник раскрылся как индивидуальность. За границей все направлено именно на это раскрытие: нахождение личного стиля, бренда и некоей «сердцевины» твоего творчества и истории.

    - Какой опыт интересен, что было открытием, что показалось новым-необычным?
    - Для меня в Америке открытием было то, что все делятся своим личным опытом, все подают легко и доступно, раскрывают все секреты и помогают тебе подняться, не опасаясь того, что завтра ты станешь им конкурентом. Именно там я нашла свой стиль и наконец-то влюбилась по-настоящему в живопись. Там я впервые попала со своими работами в галерею и сформировала личный бренд.

    - Стоит ли участвовать в конкурсах подавать заявки - сегодня мы видим немало объявлений о международных конкурсах, грантах итп.
    - Конкурсов много, пробовать стоит. Сама сейчас начинаю пробовать, но в Украине пока плохо продумала система поддержки начинающих художников в подобных проектах. В большинстве случаев для участия в любом из конкурсов сам автор и должен выступить спонсором своего участия.


    - Можно ли чему-то действительно научиться, что-то освоить на мастер-классе? Будет ли это чем-то большим, чем попытка скопировать работу преподавателя и работа «под копирку» как итог единичного алгоритма?

    - Мастер-класс - это отличная возможность попробовать какую-то новую, незнакомую технику и расширить пределы своих возможностей. Каждая новая освоенная техника даёт большую свободу выражения, а как их комбинировать - это уже у каждого индивидуально.

    - Нужно ли художнику быть смелым?
    - Художники - смелые люди по определению: хотя бы уже тем, что выбирают этот путь, преодолевая множество препятствий, и позволяют своему внутреннему миру быть выставленным на всеобщую критику и обозрение.

    - Как преодолевать порог между «я рисую» и «я показываю и продаю свои работы»?
    - Быть ещё смелее, искать, учиться, спрашивать… как в Библии говорится, «Стучите и вам откроют». Стучите во все двери, привлекайте телевидение, участвуйте в конкурсах, используйте социальные сети. Только представьте, что было бы, если бы у Ван Гога был Инстаграм? Сейчас для художников возможностей и инструментов больше, чем когда-либо до этого. Смотрите, как действуют другие художники – учитесь у них, экономьте время!

     

    - Ваш любимый художник (художники)?
    - Очень люблю Ван Гога и Марка Шагала. Из современных мастеров мои фавориты - Джон и Элли Милан, это мои любимые художники и учителя. Вся их семья - огромное вдохновение.

    - Творчество какого знаменитого художника вы не понимаете, не принимаете или даже не любите?
    - Не понимаю очень многое, особенно из современного. Когда, как говорится, «искусство ради искусства». Марсель Дюшан… О чем это вообще? Почему это гениально? Также не привлекает все, что мрачно и депрессивно. Люди не желают покупать вашу депрессию или ваши проблемы, они не хотят жить со всем этим на своих стенах. Искусство должно поднимать, ободрять и вдохновлять, давать надежду и нести красоту. Красота - она для всех красота. Спросите у ребёнка, что красиво: цветок или экскременты? Он никогда не выберет последние, но именно это современный мир и пытается нам внушить сейчас – то, что это и есть высшая форма искусства.

    - Если бы вы не были художником, то стали бы… кем?
    - Писателем или поэтом… или музыкантом.

     


    Original   Auto-Translated

    Гари Бант (Gary Bunt) родился в Великобритании в графстве Кент в 1957 году. Судьба этого одарённого художника была удивительной и неожиданной. С раннего детства Гари проявлял интерес не только к живописи, но и, как миллионы его сверстников того времени, к музыке, что отложило отпечаток на его дальнейший путь в искусстве. В связи с этим он поначалу отверг предложение поступить в художественный колледж. Вместо этого Гари Бант выбрал карьеру профессионального музыканта. К 30 годам он уже был вполне успешным гитаристом, но не находя удовлетворения на этом поприще, вдруг решил бросить занятия музыкой для того, чтобы посвятить себя живописи.
    Вообще, на жизненном пути Гари повороты судьбы бывали весьма драматичны. Так, в 2001 году у него диагностировали рак, но несмотря на это, он продолжал одновременно бороться с этим страшным недугом и рисовать. А свою живопись он начал использовать, как способ помочь другим людям с аналогичными проблемами. Гари удалось побороть рак, но художник продолжил работать с пациентами, чтобы на практике показать, как арт-терапия может способствовать их выздоровлению.
    Что касается тематики работ Гари, следует отметить, что они являются результатом его личных воспоминаний и впечатлений. На первый взгляд, простые и жизненные сюжеты его работ предлагают зрителям увидеть всю красоту, открытость и радость каждодневной жизни в разных ее проявлениях. Картины Гари Банта неизменно наполнены английским тонким юмором и пронизаны лёгкой грустью. Иногда создаётся впечатление, что картины мастера написаны с точки зрения ребенка. Его работы
    наивны и невероятно обаятельны - эдакие отголоски творчества Анри Руссо с британским акцентом.
    «Я очень религиозен. Одинокие фигуры происходят из трудностей, которые были в моей жизни», - говорит про своё творчество Гари Бант. Можно сказать, что на холсте он пишет маленькие рассказы из своего детства. Там мы встречаем его дедушку, маму и папу, видим места, знаковые для его жизни – например, то, где он сделал предложение руки и сердца своей будущей жене… А еще Гари сопровождает свои работы остроумными стихами.
    Художник по-настоящему одержим своим творчеством и планами на будущее. "У меня всегда много планов. Не проходит и дня, чтобы я не читал о живописи. Я делаю заметки все время: у меня есть записная книжка, где уже более 50 идей для моей следующей выставки, я всегда ищу новые идеи".
    Работы Гари Банта завоевали немало премий, они, в основном, выставляются в галереях (ближайшее событие запланировано на декабрь 2017-го – в Portland Gallery будут представлены новые работы), и находят своих поклонников не только на интернет-просторах, но также среди библиофилов. Книга с иллюстрациями и стихотворениями вышла в 2016 году. Пожелаем художнику и музыканту воплотить в жизнь все свои новые задумки и мечты.
    P.S. Кстати, герой картин художника - вовсе не его точная внешняя копия. Сам Гари Бант просто невероятно похож на вокалиста культовой британской прог-рок группы IQ - Питера Николса (Peter Nichols), так что некоторые лиричные композиции этой группы очень хорошо сочетаются с просмотром работ художника под его стихи-комментарии.

    Подготовил Александр Шапран


    Original   Auto-Translated

    Сергей Викторович Римашевский – современный белорусский художник, родился 19 февраля 1964г в г. Гродно (Беларусь). От старых мастеров и символистов рубежа прошлых веков до фентези и гиперреализма – таков спектр жанров и стилей, которые находят отражение в его творчестве. Но главенствуют, конечно же,  характерные для работ этого художника образы и его собственная, узнаваемая живописная манера.


    Его работы, выполненные в технике масляной живописи, раскрывают внутренний, «параллельный» мир человека через образ ребёнка. Автор словно приглашает зрителя совершить путешествие в сокровенный мир человеческих переживаний, где знакомые всем с детства эмоции, глубоко спрятанные в подсознании современного человека, выходят на поверхность – не без помощи продуманного композиционного и живописного строя картины. Впрочем, работы мастера, при всей своей таинственности и недосказанности, создавались на основе реальных жизненных впечатлений. Встречаем и цитаты известных мастеров и их работ: Сергей Римашевский участвовал в проекте «Диалог эпох. Интерпретации» – как не вспомнить Вермеера, Веласкеса, Брейгеля, Гойю, Магритта, Серебрякову - ее «Карточный домик»?..

    В целом подача сюжетов Сергеем Римашевским, объекты которых складываются в наполненный символами подтекст, - дают стимул для игры воображения зрителей: эдакие «игры разума» в арт-пространстве. Ну а сильная, мастерская подача говорит о профессиональном опыте и чутье автора, который нашел собственный характерный стиль и преподносит публике свои наблюдения, мысли через весьма любопытную галерею образов.

    Художник начинал свое обучение художественному мастерству в художественном Минском училище им. А. К. Глебова. С 1986 по 1991 годы продолжил учёбу в Белорусской академии искусств на монументально-декоративном отделении. После окончания академии долгое время работал над церковными фресками в Польше. С 1996 года является членом Белорусского союза художников. На счету Сергея Римашевского – многочисленные выставки в Беларуси (отметим персональную экспозицию в Национальном художественном музее Республики Беларусь), России, Нидерландах, Германии, США, Польше. Работы мастера находятся в собрании Национального художественного музея Республики Беларусь, Музея современного изобразительного искусства, а также в частных коллекциях ценителей искусства разных стран.

    Новые работы, участие в выставках, текущие проекты - обо всем можно узнавать на персональной страничке художника в фейсбуке

    Подготовил Александр Шапран

     


    Original   Auto-Translated

    Некоторые работы этого художника то и дело встречаются в интернет-блогах любителей искусства. Конечно, лидируют дамы и котики. Яркие краски, "декоративность" работ, нарядные интерьеры и сцены, словно из свежих сериалов - стилизаций по мотивам исторических событий далекого и недавнего прошлого... С одной стороны, в работах Евгения Муковнина наблюдаем немало клише, приходят на ум и некоторые известные работы русских художников прошлого. С другой стороны, осознавая все вышеперечисленное, картинами продолжаешь любоваться: нарядно и с настроением! Умение балансировать "на грани" - один из показателей несомненного мастерства художника.

    Что ж, школа пройдена серьезная - отметим учебу под руководством Ильи Глазунова и приводим информацию с официального сайта Евгения Муковнина. Он родился в 1976г. в Воронеже. Закончил Воронежское художественное училище им. Васильева в 1996 г. по специальности "дизайн рекламы". Учился в Воронежском государственном институте искусств на факультете живописи, потом поступил в Российскую Академию живописи ваяния и зодчества (РАЖВиЗ), и в 2003 г. окончил с отличием и похвалой Ученого совета мастерскую пейзажной живописи РАЖВиЗ. Далее следует учеба в аспирантуре под руководством известного художника, профессора Ильи Глазунова.

    В 2003-2009г. Евгений Муковнин преподавал рисунок и живопись в РАЖВиЗ и федоскинском худ. училище. Художник - член творческого Союза художников России. С 2007г. член Российского союза художников .
    Грамоты, дипломы и награды различных конкурсов (например, художник - лауреат первого Всероссийского конкурса им. П.М. Третьякова), также постоянное участие в российских и международных художественных выставках и пленерах.
    Работы художника опубликованы в различных альманахах ("Тысяча русских художников", "Современное искусство России" , "РаЖВиЗ") и журналах. Картины Муковнина находятся в частных и корпоративных собраниях России и за рубежом, музее РАЖВиЗ и музее "Святителя Иосаафа"


      Arkady Aleksandrovich Plastov (1893 - 1972). Mama.
      Yuon Fedorovich Konstantin. "Sergiev Posad". Old hotel »Autolithography. State Tretyakov Gallery
      Whole feed
      Artworks by the artist
      1 artwork total · 1 offered for sale
      Igor Vyacheslavovich Zemlyansky. Bouquet for beloved
      Negotiable
      0
      Bouquet for beloved
      20.07.2019, 30×40 cm
      View an artwork by the artist